¡Felices Fiestas!

Les mando un abrazo y una tarjetilla por las fiestas.

De Live Journal stuff

emos en enero.


Los quiere, la Cinéfila Desconocida.

Datos tontos sobre Disney para impresionar

Espero qu ese encuentren muy bien. Bues señores, me marcho para festejar las Navidades y el Año Nuevo. Espero que ustedes tenga una maravillosa Navidad y un excelente año 2009.

Antes de irme, los dejo con esta entrada sobre los datos más inútiles de las películas de Disney, pero creanme que impresionan.

En fin, los veo en enero. Les agradezco por leerme este 2008 y que sigan viviendo a 24 cuadros x segundo.

*Blanca Nieves y los siete enanos (“Show White and the Seven Dwarfs, 1937): Aunque en todos los productos promociónales Blanca Nieves tiene los ojos azules, en la película los tiene castaños.

*Pinocho (“Pinocchio”, 1940): La voz del Hada Azul es la de Evelyn Venable, quien es la modelo del logotipo de Columbia Pictures.

*Fantasía (“Fantasia”, 1940): El maestro brujo de Mickey en el segmento “El aprendiz de mago” de Paul Dukas, se llama Yen Sid, es decir, Disney al revés.

*Bambi (“Bambi”, 1942): Es la película con menos diálogos de la historia de Disney.

*Cenicienta (“Cinderella”, 1950): El vestido que las malvadas hermanastras desgarran a Cenicienta antes del baile no es el mismo que le hacen los ratones.

*Alicia en el país de las maravillas (“Alice in Wonderland”, 1951): La voz de Alicia en la versión en inglés es la misma que la de Wendy de “Peter Pan”.

*Peter Pan (“Peter Pan”, 1953): Parte de las regalías de la película fueron destinadas a varios orfanatos de Londres por acuerdo entre Disney y Sir James M. Barrie, el escritor de la historia original.

*La dama y el vagabundo (“Lady and the Tramp”, 1955): Alan Reed, voz original de Pedro Picapiedra es parte del cuarteto vocal “The Mellowmen”, que junto con Peggy Lee cantan ‘He is a tramp’.

*La bella durmiente (“Sleeping Beauty”, 1959): Está basada en la partitura de Tchaikovsky y su dirección de arte esta basada en la cultura rusa.

*La noche de las narices frías (One hundred and One Dalmatians”, 1961): En este film aparecen un total de 6 millones, 469 mil, 952 manchas negras.

*La espada en la piedra (“The sword in the stone”, 1963): Varios de los animales de fondo son reciclados de “La bella durmiente” y “La noche de las narices frías”.

*El libro de la Selva (“The Jungla Book”, 1967): Aparte del excelentísimo doblaje de Germán Valdés ‘TinTan’ y Fernando Arau, esta película tiene la particularidad de ser la última en la que Walt Disney participa antes de morir.

*Los Aristogatos (“The Aristocats”, 1970): Germán Valdés ‘Tin Tan’ vuelve a hacer doblaje al hacer la voz de Thomas O’Malley. La música de jazz estuvo acompañada de nuevo por The Mellowmen.

*Robin Hood (“Robin Hood”, 1973): El baile entre el “Pequeño Juan” y Lady Kuck es el mismo que hacen Baloo y el rey Louie en “El libro de la selva”.

*Winnie Pooh (“The many adventures of Winnie the Pool”, 1977): Es la única de las 3 historias que los estudios adaptaron sobre el oso más puñal, que fue producida específicamente para cine.
*Bernardo y Bianca (“The Rescuers”, 1977): Hay una escena de no más de 3 o 4 cuadros donde se ve una mujer desnuda en una ventana cuando los protagonistas van volando por la ciudad.

*La Sirenita (“The Little Mermaid”, 1989): En la escena donde es el concierto, se puede ver con un buen DVD, que la mayoría del público trae orejas de Mickey y entre los asistentes están Tribilín (Goofy), Donald, y la rana René.

*La Bella y la bestia (“Beauty and the beast”, 1991): Es la primera animación en la historia del cine en sobrepasar los 100 millones de dólares en taquilla.

*Aladín (“Aladdin”, 1992): Entre los juguetes con los que juega el Sultán están la Bestia y varios buitres de “El libro de la selva”. La escena cuando el Genio se vuelve enorme y tiene que obedecer esta basada en el gran demonio de “Fantasía” (que a si vez está basado en el Drácula de Bela Lugosi).

*El rey León (“The Lion King”, 1994): Cuando Timón toma insectos de un tronco, se puede ver como corre una hormiga con las orejas de Mickey. También está la escena donde Simba se echa en las flores y estas vuelan deletreando SEX, aunque según los estudios dice SFX (Efectos especiales en inglés). Ajá.

*Pocahontas, encuentro de dos mundos (“Pocahontas”, 1995): Meeko guarda la brújula que le acaba de quitar a John Smith en el árbol. Ahí tiene guardado el mapa de Nunca Jamás de “Peter Pan” y la lámpara de “Aladín”. La canción ‘If I never knew you’, fue cortada porque el público de prueba la consideró muy aburrida.

*El jorobado de Notre Dame (“The Hunchback of Notre Dame”, 1996): Cuando Quasimodo canta ‘Afuera’, hay dos campesinos cargando a Pumba de “El rey León”, otro esta limpiando la alfombra voladora de “Aladín” y el prisionero encadenado es Jafar. La plaza vista desde arriba tiene la forma de la cabeza de Mickey.

*Hércules (“Hercules”, 1998): Cuando le están haciendo un retrato a Hércules, la piel de león que trae es Scar de “El rey León” y Bambi aparece en el fondo.

*Mulán (“Mulan”, 1998): Su diseño de arte esta basado en el principio chino sing, donde los espacios vacios (energía negativa) son compensados con detalles y expresiones (energía positiva). Cuando Mulán canta ‘Reflejo’, los nombres en las lápidas de los ancestros son los de los animadores escritos en chino.

*Tarzán (“Tarzan”, 1999): Cuando los gorilas voltean al papá de Jane, se le cae un peluche de ‘Hermanito’, el perrito de Mulán. Clayton está basado en los trazos de el Capitán Garfio de “Peter Pan” y los del villano del corto “El Jinete sin cabeza”.

Espero les hayan gustado.

Los quiere, March aka. La Cinéfila desconocida.

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Seig Heil, Donald Duck, seig fuking heil!

Hola a todos, espero que estén muy bien y que en estas épocas tan especiales de estar con la familia, los amigos y el chupe (para algunos), encuentren todo lo que desearon y se encuentren en paz.

Bueno como ya se lo había prometido a Faby, vamos a hablar de las películas de Disney. ¿Qué no se ha dicho ya de los 70 y pico años de historia de la casa del Ratón Miguelito?, estos films son íconos de la cultura pop y han definido a generaciones enteras. Los Estudios Disney son responsables del primer largometraje animado de la historia (“Blancanieves”, 1937), de la primera ópera animada (“Fantasía”, 1940), de la única película animada nominada a Mejor Película en los Óscares (“La Bella y la bestia”, 1991) y otras tantas que han marcado pauta.

Es por ello que digo que algunos films son para lavar cerebros. Y no me refiero a las Silly Symphonies como la del bailecito cageto de los árboles o “Steamboat Willy”, si no a ejemplos clarísimos como el corto donde el Pato Donald es un Nazi (“Der fuhrer’s face”, 1941), donde el patito se burla de los Nutzis (…) y hace apología de Estados Unidos. No soy racista ni mucho menos, pero el film se burla del sufrimiento de los trabajadores en las fábricas en la Alemania Nazi. Y por supuesto esta plagada de mensajes subliminales. Este film es bastante cómico y esta dirigido al público estadounidense.




Otra que es mucho más oscura es “Nace un nazi” (“A nazi is born, education for death”, 1943). No critico los esfuerzos propagandísticos de EUA y estoy totalmente en contra de cualquier forma de fascismo, pero a veces la propaganda es necesaria.

Esta películita se produjo pensando en México. A los que no son de tierra azteca, nosotros los mexicanos casi por definición tendemos a ser medio anti EUA (razones históricas y más) y católicos (hay 4 cosas que no se tocan en los medios el Ejército, el Gobierno, la Iglesia y la figura materna). Este film fue hecho porque Latinoamérica durante la 2ª. Guerra Mundial era medio pro Nazi. A sabiendas de que nosotros éramos la puerta de entrada a EUA, el gobierno mandó a hacer este film que ayudó mucho a cambiar la imagen alemana en México. ¿Saben por qué? No por la historia fascista, si no por dos escenas en particular: cuando el ejército le quiere quitar su hijo a una madre y cuando los nazis destruyen un vitral de la Virgen María. Y es que la gran mayoría de los latinos somos Marianos y Católicos.



Otro ejemplo de la manipulación a la que se ha prestado Disney es el compendio “Buenos Vecinos”, donde tratando de reclutar a México para la causa de EUA en la 2ª. Guerra Mundial, los estudios del ratón hicieron una campaña de solidaridad entre las naciones, enseñando a los latinos a ser tan “civilizados” como ellos. Sobra decir que estos no fueron nada populares. De esta misma época es “Los tres caballeros” (1943), donde se habla de la amistad entre América Latina y EUA a través de la amistad del Pato Donald, José Carioca y Pancho Pistolas.



Las otras películas main stream del gigante son menos manipuladoras. Tiene patrones muy marcados: joven mujer = buena, niños= buenos, animales=buenos, etc. Pero en alguna entrada próxima hablaré de ellas.

Los dejo con esta reflexión, los medios son espejo y a la vez lámpara de la sociedad, y estos films de propaganda son una muestra muy marcada de ello. No se les puede satanizar ni ignorar, pues son pedazos de tiempo atrapados en celuloide.

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Las 10 mejores películas de ciencia ficción ((escogidas según mi regalada gana *lo cual no ha de ser bueno*)

10. Encuentros cercanos del tercer tipo (Close encounters of the third kind, 1977): Esta película de Steven Spilberg nos narra la vida de un tipo común y corriente que experimenta un poco de trascendencia. ¿Cómo se sabe que es una gran película? Porque a pesar de ser una película de aliens, no se ven sino hasta
el final de la película. Esta película ha sido parodiada hasta el cansancio por Los Simpsons y todo el mundo se sabe la tonada.

Trivia: Steven Spielberg buscó a Steve McQueen, Dustin Hoffman, Gene Hackman y Jack Nicholson para el papel de Roy Neary, hasta conformarse (?!) con Richard Dreyfuss.

9. THX 1138 (1971): Dicen que para conocer el verdadero talento de un director hay que referirse a sus primeras obras, antes de estar viciado con el aparato hollywoodense. Un ejemplo es la obra universitaria de Geroge Lucas, THX 11 38. Esta película orwerlliana, habla de la lucha de un ciudadano atrapado en una ciudad subterránea para escapar. La historia es hermosa y magníficamente hecha. Habla de la lucha humana por romper paradigmas, incluso propias. Lástima que esta película sea la única de Lucas que puede considerarse completeamente buena.

Trivia: El sistema de fijación de sonido THX creado por Industrias Light & Magic (de Lucas), tomó su nombre de esta película.





8. El día que la tierra se detuvo (The day the Earth stood still, 1951): Es probable que esta sea una de las películas mas inocentes que jamás haya existido. Los seres humanos que están en plena Guerra Fría son considerados nocivos por el resto del Universo, que manda al extraterrestre Klaatu para advertirnos que le bajemos de espuma a nuestro chocolate o seremos destruidos. Y para ello cuenta con un robot super poderoso llamado Gort, que va destruyendo a cuanto soldado gringo le ponen en frente. La historia es increíblemente moralina y patriotera, y sin embargo, vende; ya sea por la época en que fue filmada o por la propuesta de un Universo aterrado de la humanidad. “Gort, Klaatu barada nikto!”.

Trivia: Va a haber un remake este año con el cara de palo de Keanu Reeves como Klaatu. Es que no hay temor a Dios.



7. Terminador 2 (T2: The judgment day, 1991): Esta es una de las pocas películas que a pesar de llenar de balazos a todo México y su madre, al final lloras porque te conmueve. Fue increíble ver que el Gobernator ya hablaba y era bueno. La parábola de los viajes en el tiempo queda magníficamente explicada gracias al grandioso tratamiento de James Cameron (antes de que fuera el rey del mundo). Y ¿Quién no sentía temor con el morphing del T – 1000?

Trivia: Robert Patrick (el T- 1000) no parpadea en TODA la película. Esto le provocó un poco de daños a sus córneas.




6. ET, el extraterrestre (ET., the extraterrestrial, 1982): ¿Quién no se acuerda de esta película y se remite a su propia niñez? La historia de un alien que se queda varado en la Tierra y su amistad con un niño común y corriente, son los ingredientes de una de las películas más taquilleras de todos los tiempos. No es la mejor del mundo (recuerden que perdió el Oscar ante “Ghandi” ) vamos, no es la mejor de Sci Fi, pero es una de las más queridas por la gente. El “ET, llama a casa” lo respalda.

Trivia: El maestro en la escena de la disección de las ranas es nada menos que Harrison Ford, su esposa escribió legión, pero al final decidió que no se le viera la cara para no distraer de la historia principal.



5. El imperio contrataca (The empire strikes back, 1980) : La mejor de tooooda la saga de Star Wars no fue dirigida por su creador, ja!. ¿Por qué es la mejor? Es donde se cuece la historia de amor entre la princesa Leia y el filibustero de Han Solo, aparecen por primera vez Yoda y Boba Fett (claves para la saga), el score de John Williams es insuperable y aprendemos nada más quien rayos es Darte Vader. Casi nada.

Trivia: Gerge Lucas le pidió al equipo de efectos especiales que repitiera la escena de los asteroides cerca de 40 veces. Los técnicos en venganza escondieron entre las rocas una papa y un zapato, cosa que aun se puede ver con un buen dvd.



4. 2001, Odisea en el espacio (2001 : A space odyssey) : OK, Stanley Kubrick es incomparable, eso ya lo sabemos. Pero lo que hace esta historia irreal es la historia que le dio origen, la de el maestrazo Arthur C. Clark. Una especia de Odisea intergaláctica que se enfrenta a la “malvada” Hal – 9000. Y digo “malvada”, porque ¿se puede considerar un objeto sin conciencia propia como malo?. Esta película esta hecha para dejar más interrogantes que respuestas, el propio Kubrick lo dice: “Si entendiste ‘2001’ completamente, entonces fallamos. El morphing del hueso a la nave espacial con la música de “Así hablo Zaratustra” es icónico.

Trivia: Kubrick y Clark escribieron la novela y el screenplay al mismo tiempo y se pasaban tips.



3. Blade Runer (1982): ERA UN REPLICANT!!! OK, sacando eso de mi sistema, hablemos de la película basada en uno de los cuentos de Phillip K. Dick (“¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”). Blade Runer de Ridley Scout nos narra una historia que formaría escuela para películas como “12 monos” , usando excelentemente un recurso que puede ser considerado malo, la voz en off.
¿Cuál es la moraleja de la película? Según Lucila Godoy, vale más una máquina con alma que un ser humano vacío. Por cierto, ¡¡¡¡Deckard era un replicant!!!!

Trivia: El personaje fue escrito para Dustin Hofman, gracias a Dios al final no pudo filmar y el papel fue para Harrison Ford. ¿Ya les mencioné que Deckard si era un replicant?




2. Naranja Mecánica (A clockwork orange, 1971): Anthony Burgess jamás creyó que su historia corta lograría transformarse en una leyenda celuloidal. La escena de “Cantando bajo ka lluvia” sigue siendo desgarradora y cómica a la vez (así como lo … mmm, leen), Alex De Large es el producto de una sociedad corrupta que luego se niega a tomar responsabilidad por su creación. De nuevo Kubrick nos deja una de las mejores obras del género.

Trivia: Kubrick se aprovechó del temor innato de Andy McDowel (Alex) a las serpientes y agrego la víbora, Basil, para aumentar el look de locura del protagonista.



1. Metrópolis (1927): ¿Por qué es la mejor película de Sci Fi según yo? Bueno de entrada es de la corriente de cine que más me gusta (expresionismo alemán), segundo, porque se trata de la primer película considerada por la UNESCO como patrimonio de la humanidad, tercero porque introduce elementos clásicos del género: robots, científicos locos, críticas sociales y ser una súper producción. Esta película que criticaba los sistemas de gobierno fascistas y sin embargo era la favorita de Hitler, fue la primera en usar más de 37, 000 extras y escenografías multimillonarias, tardando cerca de 2 años en filmarse. Aun hoy, a 80 años, no se tiene una copia completa pues el riel original se quemó en Berlín, y sin embargo es una de las películas más alabadas. Así mocha como esta, es 100 veces mejor que películas actuales completas.

Trivia: Los 37, 000 extras constaron de 25, 000 hombres, 11, 000 mujeres, 1, 100 hombres con la cabeza rapada, 750 niños, 100 personas de color y 25 asiáticos. Casi nada.




¡Un saludo de La Cinéfila!

10 datos inútiles sobre el cine

Hola a todos, gracias de nuevo por los 1000 mil hits, vamos por otros 1000 !!!

Iba a hablar de las películas del expresionismo alemán, pero he decidido guardar la entrada para más adelante.

Faby me dijo que quiere una entrada sobre Disney y el porqué digo son films que controlan la mente, ya la estoy cocinando.

Mientras les dejo 10 datos de trivia completamente inútiles pero muy divertidos sobre el cine. ¡Gócenlos!


1. En la cinta “Flor Silvestre” (1943) de Emilio “El Indio” Fernández, hay una escena donde un cochinito muere a machetazos. Y digo muere porque en realidad se lo escabecharon en la filmación de la toma, provocando la ira de la leyenda Dolores del Río.

2. En “Pink Flamingos” (1972) de John Waters, el trasvesti Devine realmente come escremento de perro en la mas infame escena del film. ¡Guácala!

3. En la película de “La dimensión desconocida” de 1983, un helicóptero se desplomó matando al instante al actor Vic Morrow y a dos niños. Las autoridades tardaron 10 años en declarar a John Landdis y Joe Dante (los directores) inocentes de homicidio imprudencial.

4. Para la famosa escena de “Lo que el viento se llevó” (1939), donde Rhett Buttler le dice a Scarlet: “Franky my dear, I don’t give a damn”, se escribieron varias frases porque en ese entonces “Damn” era una grosería muy fuerte para el cine. Algunas de las que se escribieron fueron: “Frankly my dear … I just don’t care”, “…I don’t give a hoot”, “…it makes my gorge rise”, “…nothing could interest me less”. Finalmente David O. Selznick, decidió estrenar la paelícula con la immortal frase y pagar una multa a los censores de $5, 000 dólares.

5. Laura Dern no entendía porque la gente creía que David Lynch era raro hasta que trabajó con el en “Terciopelo Azul” y revisó su refrigerador donde encontró un gato disecado por partes con velcro en cada parte para armar y desarmar a gusto.}

6. “Striptease”(1996) es de hecho una hora y media más larga de lo que la hemos visto. Tuvo que ser editada porque la audiencia de prueba se reía en las escenas dramáticas.

7. Después de la inesperada muerte de Bruce Lee, los estudios de Hong Kong sacaron un infortunado reemplazo llamado Bruce Li. Es que no hay temor a Dios…

8. La famosa e intrigante palabra que da origen al “El ciudadano Kane” (1941), de Kane “Rosebud”, se refiere al clítoris de la amante de William Randolph Hearst (en quien se cree se baso la película).

9. Cuando se filmó la película “Lolita” (1997) de Adrian Lyne, la actriz Dominique Swain tenía 15 años nada más, por lo que para sus escenas de sexo con Jeremy Irons (que tenia cuarenta y tantos), se ponía una almohada en su pelvis.

10. En la película “American History X” hay una escena final borrada, donde el personaje de Daniel Vinyard (Edward Norton) se rapa de nuevo la cabeza tras el asesinato de su hermano para dar entender que el odio solo genera odio en un ciclo infinito.

¡¡¡Los veo en unos días!!!

¡¡¡¡Gracias a todos!!!!

¡¡¡¡Sin ustedes no hubiera sido posible!!!!

La Cinéfila!!!

El expresionismo alemán

Creo que todos tenemos géneros favoritos en el cine. A algunos les encantan los films noir, a otros la nueva ola francesa los delira y algunos más adoran el spaghetti western. A mi me fascina el expresionismo alemán y quisiera dedicarle este post (de hecho ya me había tardado).

Expresionismo alemán son el grupo de films que surgieron antes y después de la Primera Guerra Mundial y que tuvieron su cumbre en los años 20’s. Como su nombre lo indica esta relacionado con la corriente expresionista, donde la subjetividad de la expresión personal esta por encima de lo real (como lo había hecho el impresionismo en el siglo XIX).

Como Alemania se estaba recuperando de la Primera Guerra Mundial, los cineastas germanos no tenían el presupuesto de Hollywood para hacer películas por lo que se valieron de tomas surrealistas de tiempos largos, el simbolismo en el ritmo y en el mise en scène (todo lo que se ve en cámara) y de historias macabras, góticas.

Este género más tarde inspiraría el cine horror de los años 40’s (como los monstruos de la Universal) y el cine noir que tan famoso haría a Humphrey Bogart. Y da origen a lo que se conoce como la estética Kammerspielfilm que se basa en un respeto, aunque no total, de las unidades de tiempo, lugar y acción, en una gran linealidad y simplicidad argumental, que hace innecesaria la inserción de rótulos explicativos, tan usados en el cine mudo.

El expresionismo fue una edad dorada del cine, en donde los mayores representantes fueron Fritz Lang, George Wilhelm Pabst y F.W. Murnau, Paul Wegener.

Esta corriente se abre en el cine alemán con una de las mejores películas jamás hechas: Das Cabinet des Dr. Caligari o “El gabinete del doctor Caligari” (1919). Inspirada en una serie de crímenes reales en Hamburgo, nos cuenta los crímenes que el zombie Cesare cometía en la villa montañesa de Holstewall por las órdenes del Doctor Caligari.

Hasta ahí parece una película normal de miedo. La película es contada por Francis a un amigo en un flash back. El y su amigo Alan visitan el carnaval donde el infame doctor esta mostrando a su sonámbulo Cesare que puede predecir el futuro. Cuando Alan le pregunta cuanto tiempo vivirá, Cesare le dice que hasta el anochecer del siguiente día. Una profecía fatal que se cumple.

Francis y su novia Jane, investigan a Caligari y luego Cesare secuestra a Jane, pues se ha enamorado de ella y se rehúsa a matarla. Al intentar rescatar a su dama, Francis descubre que el Doctor es el jefe del psiquiátrico local y que se ha obsesionado con la leyenda de un tal Caligari que en la Italia del siglo XVIII usaba un sonámbulo para cometer crímenes.

Durante la persecución cumbre, Cesare muere y Caligari es finalmente encerrado en el asilo.

Lo increíblemente padre de esta película es ser el primer film con un final de vuelta de tuerca (de esos que tanto popularizó M. Night Shyamalan). Así que si no quieren saber el final, brínquense el siguiente párrafo.

--- Spoiler Alert----

El increíble twist del film es que Francis, Jane, Alan, Cesare y el amigo oyente son todos pacientes del hospital psiquiátrico y el Doctor en realidad es el Jefe de psiquiatría tratando de ayudar a Francis a curarse de su manía.

Ahí es cuando uno dice ¡Ay no mames, que miedo!

----Spoiler Alert----

El gran atractivo del film esta en su simbolismo y su estética. La idea de los guionistas era denunciar a un estado alemán aletargado y asesino durante la Primera Guerra Mundial.






Su estética es una combinación delirante de anormalidades escenográficas, con toques cubistas, líneas de movimiento y sombras pintadas en el fondo. Todo esto nos da una atmósfera dramática y esquizoide, ya que la escenografía funge como narrador y no solo como elemento decorativo. Los ángulos retorcidos y los elementos acartonados nos dan una sensación constante de encierro, que tiene todo que ver con el estado mental de los protagonistas. Los responsables de la escenografía fueron Walter Rörig, Walter Reimann y Hermann Warm.

El director Robert Wiene logró obtener actuaciones dignas del Oscar de Werner Krauz (el Doctor), Conrad Veidt (Cesare), Frederich Feher (Francis), Lil Dagover (Jane) y Hans Heinrich von Twardowski (Alan). Todo esto acentuado por un maquillaje fenomenal que sirve también como narrador, basta ver la diferencia entre “Caligari” y el Doctor.




Esta es una de mis películas favoritas, se las recomiendo ampliamente. Si quieren verla pueden encontrarla aquí:

Hay un remake de 2005 pero no es tan buena como la original.


Mis siguientes post estarán dedicados a esta escuela con películas como “Nosferatu” (1922), “El Golem” (1920), “M” (1931) y la que quizás es la mejor película de todos los tiempos, “Metropolis” (1927).

Los quiere,

La Cinéfila.

La Súper estrella de Jesucristo

Jesús es el último rebelde. Fue aquel hombre (y para mi Dios) que se atrevió a revolucionar el mundo sin derramar más sangre que la suya.

Sobre su figura se han escrito y hecho miles de películas. Es que el Señor es una figura controversial e interesante. O lo amas o lo acusas de las cosas malas del mundo, pero no lo ignoras. Con Él, no hay puntos intermedios. Y es que El ya lo dijo, vomita a los tibios de corazón.

Cuando tenía unos 10 años, mi papá me enseño un LP que tenía guardado. Imagínense que fue para mi, acostumbrada a los casetes o 8 tracks, ver un disco negro más grande que la panera. Me lo regalo y lo puso en la consola (que aun tenemos en la casa por alguna razón) y mi vida cambio.

Era el soundtrack de “Jesus Christ Super Star”.

Recuerdo haberme escuchado el disco de corrido unas cien veces. De hecho, aún hoy a mis 23 años me sé cada estrofa de la ópera rock de Andrew Loyd Webber y Tim Rice.

Me encantó porque yo, alumna de un colegio de teresianas, estaba acostumbrada a una imagen más solemne de Cristo y en esas poderosísimas líricas había encontrado a un Cristo Hombre, Amigo y Dios.

Poco después mi papá me regalo el VHS de la película de Norman Jewison de 1973 (el cual presté y jamás me devolvieron) y cuando la vi, mi mundo sufrió un cambio de 360°.

Todo en ella era fuera de lo que yo tenía preconcebido. La historia esta contada a través de los ojos de un Judas Iscariote negro (no que yo sea racista pero vuelvo a lo mismo, uno esta acostumbrada a las imágenes europeas como el Pantocrátor), los apóstoles son hippies, hay mujeres apóstoles, María Magdalena no era la prostituta irredenta si no una mujer convertida y enamorada y las letras hablaban de cosas que seguían (¿siguen?) pasando en esa época.

Es una de las manifestaciones más poderosas de Cristo y vino en un momento clave para la Iglesia Católica, el Concilio Vaticano Segundo. Ted Nelly le dio una fuerza descomunal al Nazareno; basta ver la escena del Huerto de los Olivos o Getsemaní (“Nail me to your cross and break me, Bleed me, beat me, Kill me. Take me, now! Before I change my mind.”).

Hay muchas formas de retratar a Jesús, pero el relato de la Pasión de ésta ópera rock es sin igual. Por primera vez vemos los temores que Judas Iscariote pudo haber tenido y que, si me permiten decirlo, no son diabólicos si no muy humanos. Se critican los dos lados de la moneda la falta de fe con Judas ("Heaven on their minds") y la fe ciega casi fanática con Simón el Celote ("Christ you know I love you") que es tan endeble como la duda en los momentos de prueba verdadera (Pedro en “Peter’s Denial”).

Los villanos son más que nada caricaturas. Pilatos es un ser que se muere de miedo de lo que la historia opinará de él, lo que al final lo lleva a condenar a Jesús. Herodes es como esos tele mercaderes de la fe que te buscan soluciones milagreras que puedan comerciar mientras que el Sanedrín y Caifás y Anás, hacen lo que hacen porque verdaderamente creen que es lo mejor para el pueblo.

Judas se desarrolla mejor que ninguno. Su indecisión y su culpa lo llevan al final que todos conocemos para regresar antes de la Crucifixión y cantar la canción lema de la película (“Jesus Christ, Jesus Christ, Who are you? What have you sacrificed? Jesus Christ Superstar, Do you think you're what they say you are?”).

Y Jesús. Oh, Jesús. Ese es el Cristo en el que yo creo, un Jesús vivo que tuvo miedo, que dudo y que se dejó a la voluntad de Dios Padre para sufrir como hombre y entendernos mejor. Un paralelismo fortísimo entre Cristo y María Magdalena, Pilatos y Judas, es la soledad. Los cuatro tienen momentos en que la soledad los sobrepasa y los lleva a los momentos más poderosos de los personajes.

Lo único que no me gusta es que lo deja en la Cruz. Es decir, nos muestra la mayor entrega de amor de la historia y se queda ahí. Y entiendo que sea Superstar porque fue un hombre extraordinario pero (ojo, aquí ya habla la católica que hay en mi) me hubiera encantado ver aunque fuera una sola toma con la Cruz vacía para mostrar la trascendencia de Cristo.

Me causa una extraña sensación ver esta película. Cuando se ve la puesta del sol sobre el Gólgota en “San Juan 19:41”, la más absoluta desolación se apodera de mi. Un sentimiento que Carl Anderson (Judas) representa maravillosamente al momento de subirse al camión y ver por última vez la Cruz. Sin embargo, después se ve como un pastor cruza la escena y el sentimiento de esperanza renace (una toma que no estaba planeada, se trata en efecto, de un pastor que iba cruzando sin saber que entraba en cuadro).

Amo las óperas rock, me puedo desmayar con “Tommy” de “The Who” (1975) y “Godspell” (1973) me hace reír, pero ninguna me mueve las fibras del mismo modo que lo hace “Superestrella”. Aun lloro en la escena de los 30 latigazos, de vez en vez, en los momentos de mayor dolor canto para mi “Could we start again?” y para calmarme repito el mantra “Everything is all right, yes, everything is fine”.

En definitiva no es la más piadosa de las películas ya que falla al mostrar la faceta divina de Jesús, pero su fuerza esta en eso precisamente, en mostrar un Cristo hombre y amigo.

Y no hay mayor amor que el de Aquel que da la vida por sus amigos.

Si gustan las letras de las canciones las pueden encontrar aquí.

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Beat the devil

En estos días de fantasmas les recomiendo que chequen este video. Es de una serie de promos de la BMV bajo la dirección de Scot Ridely. JuanRa, aquí el diablo es Gary Oldman!!!

El cast es de ensueño: James Brown, Gary Oldman and Clive Owen.

¡Gócenla!

A escribir, a escribir!

¡Hola a todos!

No iba a postear nada hasta el lunes pero recordé que hoy que es 1 de noviembre empiezan dos cosas maravillosas que son el NaBloPoMo (National Blog Posting Month) donde por un mes los bloggers del mundo postean una vez diaria por todo el mes de noviembre. Así que haré lo posible por lograrlo.

Lo cierto es que ya estoy muy llena de cosas que escribir, tengo el blog de locurasy este (por lo que es doble NaBloPoMo para mi), lo que posteo en LiveJournal.com, los fics que escribo (si no acabo el que estoy haciendo para el Oz Magi, mi amiga Lali me colgará - beware of the croatian wrath-) y parte me inscribí, ilusamente, en el NaNoWriMo (National Novel Writing Mont) donde los participantes tratamos de escribir una novela en noviembre, y me refiero que tenemos nada mas del 1 al 30 para hacerlo.

Hoy empecé con un conteo de 571 palabras. No es mucho, aun no tengo bien planteado el plot.

Aaaah y aparte, escribo mi tesis. Gracias soy una sádica y masoca.

¡Chequen y participen en los dos es divertido!

¡Feliz Día de Muertos y Halloween!

¡Feliz Día de Muertos y de todos los Santos, Muerte querida!

¡Felices espantos a todos los gnomos, hadas, duendes, elfos, vampiros, hombres - lobo y fantasmagorias!


Los dejo hasta la próxima semana; me les voy para festejar estas fiestas tan macabras. Que sus seres amados los visiten y llenen de amor y no dejen que los seres de otros mundos los espanten, recuerden que solo andan de paso estos días.


Un abrazo y mis mejores deseos no - muertos!

La Cinéfila

The Texas Chainsaw Massacre

En el espíritu de las fechas quiero hablarles de una película que hace que el espectador se identifique por las profundas y tradicionales emociones que se muestran en cada escena y que … ¡Naaaaaaa, se joden sociedades de padres de familia, voy hablar de una peli que gusta por grotesca y horrorosa!: "The Texas Chainsaw massacre"

Algunos ya la han visto, muchos otros no tienen el estómago para aguantarla. Este film de 1974, nos cuenta la historia de Letherface y su simpática familia gourmet, pues tienen un paladar muy refinado, solo aceptando carne Premium humana.

Parece ser una película de slashers cualquiera, así que ¿qué tiene de particular la masacre de Texas? Pues para empezar es una de las pocas películas que la veas por donde la veas, bajo el marco conceptual que gustes y mandes, seguro te espantará. Cuenta con una edición notable que va generando poco a poco la tensión que culmina con las escenas gore.

Conozco mucha gente que no ha podido terminarla. A mi me tomó tres intentos para verla de un tirón. Pero es que el género slasher no es para todos, ya saben sangre a cubetadas, adolescentes semidesnudas gritando como cacatúas, estar basada en una historia dizque real, un asesino en serie sin mayor motivación que la de hacer filetillos de las incautas y un final que no es final, sino que deja la puerta abierta para las sopotocientas secuelas que habrá, no son elementos para cualquiera.

De hecho, no es mi tipo de película, pero “Texas…” tiene un halo especial. Ver esta película con alguien que no la ha visto es un excelente estudio de cómo se va descomponiendo el rostro humano; como pasa de la incredulidad al asco.

Para cualquier cinéfilo que se respete hay que verla. Porque revolucionó el género de terror, porque ha sido una de las películas más vetadas en la historia y porque su director, Tobe Hooper logro hacer un film de culto con tres pesos.

Uno no puede evitar sentir compasión por Sally Hardesty y gritarle "¡No, pendeja no entres ahí!" (perdón por el francés) y sentir una fascinación morbosa por el hombre detrás de la máscara. Y las escenas son tan gráficas que causan escalofríos, pero que en su momento eran perfectas para un mundo que abría sus ojos a los horrores de la primer guerra televisada: Vietnam.

Como toda buena película de terror tiene secuelas bastante malonas, incluso una donde salen una Renée Zellweger y Matthew McConaughey en estado larvario de 1994. Pero el remake de 2003 y la precuela de 2006 son bastante buenas (¡¡¡y en la precuela sale mi LeeeEEEeee Tergesen!!!).

Si quieren espantarse, asquearse y de paso ver una buena película, “The Texas Chainsaw massacre” es una must see para todos los que aman el cine.

Miren lo que JuanRa me consiguio!!! Na, na, na, na,naaa, na

¡¡¡¡Esta irreal!!!! En cuanto tenga dinero y una oficina donde ponerlo, voy a ampliarlo y a enmarcarlo.

¡Takanori, muérete de la envidia!

El extraño mundo de Jack (*aaaaiiiigh* que nombre...)

Bueno, que ya viene el Día de Muertos y el Jalogüín y todas esas fiestas macabras con las que alabamos nuestra propia mortandad.

Quiero platicarles, (y que ustedes me platiquen a su vez) de una película que empezó chiquita, que casi no la armó en taquilla y que después se convirtió en una película de culto: “El extraño mundo de Jack” (“A nightmare befote Christmas”, 1993).

Este film de stop motion animation (cuadro x cuadro) se ha convertido en el estandarte de darketos, emos y cuanta cosa macabra que necesite un ídolo en mi país. Pareciera que el viejo Jack Skellington es la quintaesencia del alma incomprendida. En fin, la película la vi cuando tenía yo unos 10 añitos, ya en TV porque no imagino a mis papás llevándome a ver una película con un diseño de arte tan excéntrico. Desde la primera vez que la vi, me identifique notablemente con Sally, la muñeca de trapo que esta enamorada del Rey Calabaza.

Creo que todos saben que la película la repiten ad nauseam tanto en Halloween y en Navidad, pero es algo que año con año tengo que ver. No recuerdo bien donde leí que el film era Edgar Allan Poe conoce al Doctor Seuss (el de “Green eggs and ham”), pero me parece muy adecuado.

Tim Burton nos regala en su muy particular estilo, una fábula que combina esos terrores nocturnos que solo los niños con su infinita imaginación pueden experimentar con las Navidades y sus colores, aderezada con una simple historia de amor. Es una ópera gótica animada para niños ¿tiene eso sentido?

Bueno, que me gusta la peli y tal. Sé que no hace mucho por el misticismo de una crítica que se aprecie, pero me gusta la historia del Rey Calabaza. Además el doblaje mexicano no tiene madre.

Un poco de trivia antes de irme, aunque se le conoce como un film de Tim Burton, él no la dirigió, tuvo que dejarla en manos de Henry Selick, porque el estaba ocupado con “Batman Returns” (otra joya).

Besos de terror,

La Cinéfila

Pidan por mi

Hola a todos. Disculpen por no haber escrito esta semana, pero he estado en busca de de trabajo (algo que en verdad me urge porque no me gusta donde estoy y necesito el dinero para mi familia) . Sólo déjenme organizar mi vida un poquito y de nuevo vuelvo con fuerza.

Gracias por todo.

La Cinéfila desconocida

PD. Recen por favor, a lo que ustedes crean nos vea desde arriba, que esta semana encuentre un trabajo bueno!!!!!

Porqué el cine es mi amante secreto: Don Juan De Marco

Esta película es una de las tantas rarezas en las que Johnny Depp ha participado. Nos cuenta una versión bastante extraña de “Don Juan”. No sé a ciencia cierta cual es, si el de Tirso de Molina, el de José Zorrilla, Lord Biron, o cual, pero nos cuanta la historia de un joven que de hecho se cree Don Juan. Tomado como un loco con alucinaciones, es encerrado en un psiquiátrico tras tratar de suicidarse por no ser correspondido por su amada “Doña Ana”. Es ahí donde conoce al Dr. Mickler (un simpático Marlon Brando) quien trata de devolverlo a la realidad sin darse cuenta que mientras el joven le cuenta sus supuestas andanzas, el va cayendo en la fantasía también.

Los días avanzan y el Dr. Mickler se ve forzado a medicar a Don Juan para sacarlo de sus alucinaciones hasta darse cuenta que realidad y locura, amor, pasión y fortaleza deben entretejerse para darle sabor a la vida.

Es una película que no gusta a todos. De hecho es pura melcocha, pero esta contada de una manera muy interesante y plantea la cuestión de la sanidad mental y la sanidad espiritual de modo que nos hace cuestionarnos si una no es excluyente de la otra.

Nos plantea la misma cuestión que “Big Fish” (2003), ¿la imaginación de un hombre puede transformarlo en aquello que sueña? Don Juan siendo un loco, ve a través de todas las máscaras que su psiquiatra usa, y es a través de este joven esquizoide que el Dr. Mickler encuentra la ilusión de vivir.

Al final nos queda elegir. Elegir entre el muy emocionante y romántico pero fantástico Don Juan o al depresivo y común pero real Johnny.

Yo me quedo con la fantasía.

Me despido con una de las frases de la película, que se me hace una de las mejores del cinema.

“There are only four questions of value in life, Don Octavio. What is sacred? Of what is the spirit made? What is worth living for, and what is worth dying for? The answer to each is the same: only love.”

Y así es.

Más info: "Don Juan DeMarco" (1995)

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Tienen que checar este blog!

Es de mi amigo JuanRa en España y es increíblemente bueno!

Chéquenlo!

A la edad del diablo

XOXO

Noches de tormenta

Como algunos ya sabrán, tengo obsesión por sólo dos actores en el mundo y esos son Lee Tergesen y Christopher Meloni desde que los vi en OZ (la mejor serie de drama de TV del mundo digan lo que digan) por lo que veré cualquier cosa donde aparezcan, no importa qué sea pues, bueno, soy su fan #1.

Bueno, mi amor por el Detective Stabler de La Ley y el Orden: UVE me llevó a agenciarme antes de tiempo y a ver “Nights in Rodanthe” (2008) pues ahí salé el Meloni. La historia es “Mirada de mujer” mezclada con cuanta baba sentimentaloide se pudieron encontrar. Diane Lane es Adrienne Willis, una mujer separada de su marido infiel Jack (mi Meloni); la mujer se va de vacaciones, después de que su ex le pide volver a casa, a la playa de de Rodanthe donde encuentra el amor verdadero en el doctor Paul Flanner (Richard Gere). Awwwwww, que tierno ¿no? ¡Pues no!

¡¡¡¡¡BASURA!!!!

Es una muy mala copia de “Los puentes de Madison” (1995), las actuaciones son bastante sentimentaloides y lloricas (incluso Meloni-sama sale mal librado), aunque te venden bien la química entre Lane y Gere y la propuesta de redención entre padres e hijos esta muy bien armada.

Esta basada en la novela de Nicholas Parks (que sí es muy buena) y el director no es otro que George C. Wolfe por lo que ya sabrán que es una propuesta regular dirigida a amas de casa de mediana edad o lo que yo llamo un pastel embetunado. Muy bonito a la vista, pero nada nutritivo.

Si van a verla lleven pañuelos desechables al por mayor, que el título en español “Noches de tormenta” (*aiiiiigh...*) se me hace que se refiere a lo que lloran las madres al verla (lo sé, yo la vi con la mía). Yo lloré porque termine viendo una película payasa para ver 3 minutos en total en escena del Meloni en toda la peli. ¡Hey! Lo mismo me pasó con Lee Tergesen y “The Forgotten” (2004)… no aprendo.

No se dejen llevar por mi opinión, vale la pena verla. Es sólo que a mi me cuesta trabajo creer que alguien podría preferir a Richard soyunamomiaazteca Gere sobre Chris jodido Meloni.

Paul Newman +

Descance en paz. +





Resquiescat in Pacem, amén.

El peor director de cine de todos los tiempos

Una de mis grandes aficiones en el cine es el cine de Serie B, aquel cine que de los años 50’s y 60’s que hablaban de cataclismos extraterrestres o nucleares dignos de cualquier sueño de Isaac Asimov.

Uno de los directores malditos por excelencia es de este género. El legendario Ed Wood. Nacido en un lugar que por razones personales debo visitar (Poughkeepsie, Nueva York), se educó en el cine de terror.

Después de hacer servicio en la Segunda Guerra Mundial se fue a Hollywood. Trató y trató pero no fue hasta que conoció a Alex Gordon que empezó a escribir guiones. De hecho, sería Gordon quien más tarde le presentaría a quien sería una gran inspiración, Bela Lugosi.

Su primer film fue la “interesante” (no encuentro otra palabra para describirla…) “Glen o Glenda” en 1953, donde se cuenta la historia de un travesti con afinidad por los suéteres de góngora. Más tarde sabríamos que se trata de una película cuasi biográfica, pues el propio Ed Word tenía aficiones por el travestismo y los cardigans de angora rosa.

Su siguiente película “La novia del monstruo” del ’55 fue su primer intento en el cine de terror donde el ahora crepuscular Bela Lugosi trabajaba al lado del luchador sueco Tor Jonson.

Pero el film que le ganó un espacio en la historia del cine es el churro palomero serie b por excelencia. Es la quintaesencia de lo que NO se debe hacer en el cine: "Plan 9 del espacio exterior". En esta “película” (cuyo guión fue escrito en menos de do semanas) nos narra la historia de extraterrestres que reviven zombies y vampiros para evitar que los seres humanos construyan una bomba de sol (?). En ella salen Vampyra (a quien conoció en una fiesta de Halloween y quien se convertiría en su musa) y footage viejo de un ya muerto Bela Lugosi. Esta película se filmó con menos de $6,000.

En ella se ven los hilos que mueven a los supuestos ovnis, se ve que los fondos son de carton, los cortes de escena se ven así, como hechos con tijeras y en general la narración es bastante mala.

Cuando en el ’56 muere Lugosi, pierde a un gran amigo. En 1959 se estrena la película Night of the Gouls (la secuela de “La novia del monstruo”), donde se ven esqueletos bailarines…

Desesperado, entró en el cine semiporno con “Death of a travestite”.

En 1978, muere asfixiado por un hueso de pollo (incluso su muerte fue extraña) y es definido con el título que hasta hoy lo identifica en el libro “The Goleden Turkey Awards”: El peor director de cine de todos los tiempos.

A mi me gusta más la historia del mismo Ed Word que sus películas. Tal vez un visionario o un loco fuera de época, un hombre que jamás acabo de aceptarse así mismo, cuyo mejor amigo fue un actor adicto a la morfina que se aferraba a su Drácula, que se presentaba a filmar en un suéter de góngora y peluca rubia. Mucho más interesante que una historia sobre extraterrestres.

La película / homenaje de Tim Burton con Johnny Depp narra el periodo cuando filmo Glen o Glenda, La novia del monstruo y Plan 9 del espacio exterior, haciendo hincapié en la amistad de Wood con Bela Lugosi (un exquisito Martin Landau).



Tal vez, Ed Wood sea la leyenda mas negra del cine, pero es la definición de uno de los géneros más vilipendiados del 7º. Arte, y que hoy por hoy es parte de la columna vertebral del cine de ciencia ficción.

Porqué el cine es mi amante secreto

Desde ahora voy a publicar una que otra vez algún review de las películas que me gustan. No habrá mayor criterio que ser películas que me han marcado y que deseo compartir con ustedes. ¡Por favor discútanme si lo desean!

Así que empecemos con una de las películas más bellas que he visto y que me enseñó el poder mágico del amor. Es un film viejito típico de pillow talk: “Bell, book and candle”.

Esta película de 1958 nos narra la historia de Shep Henderson (el increíble Jimmy Stewart) y cómo es hechizado por su vecina Gilly (que otra que Kim Novak) como venganza contra la prometida de Shep, Merle una antigua enemiga de Gilly. Pero al final Gilly se enamora de Shep y debe decidir entre perder sus poderes o amar a un mortal. Y por supuesto no hay nada mejor que el hermano de Gilly, Nicky, que no es otro que el legendario Jack Lemmon y su tía Bianca (Hermione Gingold).

El final es predecible y romantiloide, pero es una de las películas mas chistosas y tiernas que he visto. De hecho uno de mis osos de peluche se llama Pyewackett por esta película.

Amo el cine, sólo la diosa de plata podría darme una historia tan boba y hacerme amarla.

Chqueen mas aquí:

La página en imdb

XOXO La Cinéfila

DW Griffth

Continuando con nuestros serie de los directores malditos o de leyenda negra, veámonos con uno de los padres del cine (nos guste o no): DW. Griffith

Educado bajo las ideologías sureñas (y racistas), este director realizó más de 500 filma y colaboró en la creación de muchos otros. Trabajo como actor de reparto en compañías ambulantes y llegó a trabajar para la AM&B (Amrican Mutoscope & Biograph) hasta que llegó a hacerse productor independiente en 1913.

Su película de 1915 más famosa y controversial es “El nacimiento de una nación” (también conocida como “The Clansman”) y la otra película que supero los budgets de su tiempo y que ha influenciado a muchos directores: “Intolerancia” (1916). cinco mil escenas diferentes, 1357 tomas individuales, 18 mil actores y extras, tres mil caballos y siete meses de producción (por los avances de la tecnología digital, es posible que estas cifras ya no se superen nunca).

Junto con Chaplin, Fairbanks y Pickford fundó la United Artists, que le daba control a los actors y creativos en 1919. Con el cine sonoro se acabó su carrera.

A el debemos la creación de tomas como el primer plano y el flashback, loas primeras técnicas de edición; fue el descubrisdor de las grandes leyendas del cine mudo como Lillian y Dorothy Gish, Mae Gras, Blanche Sweet, Mack Sennett y la novia de América, Mary Pickford.

Pero hablemos de su película más conocida. “El Nacimiento de una nación” es una de las grandes leyendas del cine por ser la primera película épica; establece los cambios de eje de cámara y ya se entiende lo que es una secuencia, la sucesión de planos cortos y largos.

La trama, y es aquí donde entramos en temas escabroso es por no decir otra cosa, una porquería. Perdonen, esa es mi opinión. La película es una oda a la supremacía blanca, vamos es una película donde se da la aparición del espíritu nacional en Estados Unidos, a partir de la traumática experiencia de la Guerra Civil ocurrida en los años 60 del s. XIX. Griffith elige contar la historia desde el punto de vista de los perdedores, el Sur. En el relato se puede entrever que el nuevo nacionalismo americano, como todos, nace por la negación de los otros y estos otros pueden ser los europeos, los negros o todo lo que no sea genuinamente americano.

Muestra una ideología propia de los auténticos nazis, explícitamente racista. A lo largo de 3 hrs de film, la peli nos narra la historia de una estereotípicamente buena familia sureña durante la Guerra Civil Americana que según DW Griffith, entregó al país (y al mundo) a los negros, judíos, latinos, etc. Los buenos sureños atacados por los “malvados” negros se vieron obligados a formar un grupo de contra defensa conocido como el Ku Klux Klan (¿les suena?), que son más buenos y honrados que el pan de caja.

Solo hubo un actor negro en todo el film, los demás eran blancos pintarrajeados con carbón.
Hay una escena en específico que es de antología. Una joven sureña se avienta al barranco antes de ser violada por un negro. Entiendo la defensa del honor femenino, pero no el subtexto racial. Otra escena imperdible es la del asesinato de Lincoln a manos de John Wilkes Boots (el increíble director Raoul Walsh).

Como obra de cine es una joya imperdible. Lamentablemente, la película es también de un racismo sangrante. No sólo se hace apología del Ku Kux Klan a lo largo de todo su último tercio, sino que los negros son retratados de forma absolutamente atroz, en un discurso que habría firmado encantado, un par de décadas después, el mismísimo Hitler (se menciona expresamente el carácter “ario” de la raza blanca). Pero, si se puede hacer abstracción de ello, la película se convierte en un espectáculo visual y narrativo realmente conmovedor.

Yo la odio, pero aprecio la maestría de Grffith.



Opinen ustedes mismos.