Una forma más de bailar bajo la lluvia

Cortesía de Mint Royale

I'm singin' and dancin' in the rain

Esta es mi película favorita. Cuando era niña mi papá la compro en inglés y siempre la veíamos juntos y aunque no entendía dque era lo que los actores estaban diciendo, me sabía de memoria las canciones. Aún me las sé.

No podía evitar emocionarme con la secuencia de “Good Morning” y cada vez que llueve, invariablemente tengo que salir a caminar y a cantar la canción que da título a la película. Pero perdón, me he alejado de lo que se supone debo hacer, contar la historia.

La historia narra las desventuras de Don Lockwood, un actor famoso de las películas
mudas que tras conocer una chica hermosa llamada Kathy Selden, se da cuenta que tal vez no es tan buen actor como él creía.

Es en ese momento que se empieza dar el cambio a las películas sonoras o talkies y muchos actores entran en pánico por no tener la voz adecuada para el cine, tal es el caso de Lina Lamont, la diva que esta encaprichada de Don.

Es así como Don se decide ha hacer un musical con la ayuda de su mejor amigo Cosmo Brown y de Kathy para doblar la voz de Lina, todo esto mientras el amor surge entre los protagonistas.

Esta es básicamente la trama sin contar el final. Creo que esta película es más que obligada a todo buen cinéfilo pues se trata de uno de los mejores musicales (para mí el mejor). Uno de sus directores fue el inigualable Gene Kelly, uno de los mejores bailarines de vaudeville que han existido, quien al formar equipo con Donald O’Connor y su vena cómica, se vuelve simplemente delicioso.

El romance puede resultar un tanto forzado a momentos pero al final nos vende la idea del amor que ha sido destinado (como ejemplo de esto es la manera en que se conocen, el literalmente, le cae encima). Creo que el mejor personaje es la caprichosa Lina Lamont y su voz chillante. Es la muestra de la diva que en el fondo, bueno es menos que perfecta.

Las actuaciones son buenas y bastante interesantes a momentos. Creo que los mejores son los comic relives de Cosmo y Lina.



Cinematográficamente hablando, cumple con todos los cánones de la comedia musical, pues los números musicales están a la orden del día pero no resultan demasiado forzados (bueno tanto como este género lo permite).

Los vestuarios son simplemente B E L L I S I M O S, como muestra la secuencia de “Beautifull girl”, donde todas las modelos lucen atavíos propios de las estrellas del cine mudo tipo Luise Brooks.

Las coreografías son sublimes aunque supongo que este es el resultado del estricto control que exigía Gene Kelly. Pero el resultado se ve en pantalla, basta recordar el baile de “Broadway Mellody” con el ballet de Broadway.


Análisis aparte merece la escenografía que es más que perfecta y hermosa, muy real. Todavía persiste la duda si la calle donde Gene Kelly baila la secuencia legendaria bajo la lluvia es verdadera o es un escenario. Como estudiante debo decir que es un escenario muy bien cuidado, como cinéfila digo que me encantaría vivir en esa calle. Un dato curioso del nivel de cuidado de la producción es que el agua de la lluvia estaba mezclada con leche para que se formaran los charcos y fueran captados mejor por la cámara.

Yo disfruto cada vez que veo la película, pero desde siempre me había quejado de toda la secuencia de “Broadway Mellody” pues me parecía innecesaria para la trama central, y de hecho lo es.

Pero ahora que la he vuelto a ver le he encontrado razón.

Y no es porque ya le haya encontrado conexión, si no porque me he dado cuenta de que sin esta parte, la película perdería mucho y no veríamos ninguna escena de Cyd Charisse. Toda la escena de seducción es simplemente fenomenal.

Si he de confesar, desde pequeña quería ser como la gran bailarina, porque era hermosa, casi etérea, pícara y capaz de hacer que dos hombres se pelearan por ella. Y la verdad es que siempre me identifique con ella porque mi mamá decía que lo único bonito que tengo son mis piernas y siempre las quise tener como la Charisse.



Pero bueno, de nuevo me he desviado. “Singin´ in the rain” es una anécdota básica de la cultura pop

y referencia inagotable para el cine (preguntar a Alex De Large), con música trepidante, escenarios majestuosos, un elenco de leyendas y una historia que jamás pasa de moda.

Si, “Singin´ in the rain” es una de las grandes alegrías de mi vida.

La Cinéfila

“This is an occasion for genuinely tiny knickers.”

No se trata de la mejor película, caray de hecho es bastante malona si la comparas con grandes ganadoras del Oscar como “Braveheart” y “Las alas del deseo”. Es de lo más comercial posible y su guión es un plagio de “Pride and prejudice” de Jane Austin.

Sin embargo esta es mi película favorita, la que si la pasan en la tele 6 veces esas 6 veces la veo, la que rento aun cuando la tengo, venga la que veo lo mismo con mi mamá que con mis amigas. Hablo de “Bridget Jones’s Diary” con Renée Zellweger.



Me gusta mucho porque hace una excelente disección de muchas de las mujeres del siglo XXI , de todas aquellas spinsters y lunáticas que vivimos como los hombres, exigiendo nuestros derechos pero que invariablemente acabamos liándonos con alcohólicos, workoholics, adictos al sexo, fóbicos al compromiso, chismosos, megalomaniacos, jodidos emocionales o pervertidos. Y todas nos hemos topado con al menos uno de los anteriores.

Bridget Jones resulta ser la suma de muchas mujeres, de todas aquellas qe ya tenemos que comportarnos como adultas y que sin embargo fantaseamos con nuestro príncipe azul.


Claro, no podemos dejar de hablar de Mark Darcy (así o mas obvio…), de Colin Firth y el sexy bastard de Daniel Cleaver (Hugh Grant).

Tenemos en Cleaver al hombre malo con el que nos gusta parrandear y portarnos mal, con el que nos gusta ser vistas y que nos hace reír y nos hace sentir jóvenes porque es de lo más divertido y es así porque aun es muy niño. Y es precisamente por eso que el tipo resulta un idiota que encarna todas las malas características que al final nos parte el corazón. Es tan perfecto, que resulta ser el equivocado.



En cambio tenemos a Mark, medio seco, bruto con bastantes broncas emocionales pero que a la larga es al que te gustaría presentarle a tus amigas y a tu familia, es más es al que visualizas como padre de tus hijos. Pero claro, es demasiado perfeccionista., adicto al trabajo, serio, poco aventado, etc. Es incluso algo aburrido, pero lo cierto es que es tan mala elección que es la correcta.

Es así como tenemos el clásico cuento del underdog que logra triunfar y tener a dos galanes peleando por ella, pero lo padre de su historia es que en realidad no hay un cambio importante en su vida, lo que cambia es su actitud. Es por ello que es nuestra heroína pues sabe defenderse de las parejas presumidas y lo hace con mucha clase. (quienes tengan amigos que son novios no podrán negar que se cotizan).

Bridget soy yo, somos todas aquellas que sufrimos porque no encontramos el amor, somos todas porque todas queremos jugar con Cleaver pero nos llevamos a casa a Darcy.

Y la escena de los créditos iniciales y “All by my self” es icónica.

Estos son varios de los mejores diálogos:

Bridget: Wait a minute... nice boys don't kiss like that.
Mark Darcy: Oh, yes, they fucking do.

Perpetua: Anyone going to introduce me?
Bridget (para sus adentros) Ah. Introduce people with thoughtful details. Perpetua, this is Mark Darcy. Mark is a prematurely middle-aged prick with a cruel raced ex-wife. Perpetua is a fat-ass old bag who spends her time bossing me around.
Bridget: Maybe not.
Perpetua: Anyone going to introduce me?
Bridget: Ah, Perpetua. This is Mark Darcy. Mark is a top barrister. Comes from Grafton Underwood. Perpetua is one of my work colleagues.

Shazzer: Exactly. I mean there's been all these bloody hints and stuff, but has he ever actually stuck his fucking tongue down your fucking throat?
Bridget: No. Not once!

La Cinéfila (spinster & lunatic)

Corazones Valientes

Ayer vi esta película. Ya se que no tiene nada de maravilloso, pero al fin pude obligarme a verla completa (siempre le cambiaba después de la muerte de Murron).

La música de James Horner me parece simplemente excelsa y la historia, bueno siempre me han encantado las historias sobre caudillos y amores imposibles.

Claro no es la mejor película del mundo, pero sin duda es el mejor trabajo de de Mel Gibson (que ahora que lo veo bien tiene una extraña fascinación por la sangre). Me gustan mucho las actuaciones en general, pero aprecio aún mas el personaje de Stephen el loco que habla con Dios. Es el mejor personaje y la descarga cómica de la historia.



Por supuesto todo el guión es una gran mentira ya que los errores históricos son bastantes notables, por ejemplo, Zanquilargo murió 7 años después de William Wallace, la princesa Isabel tenía 9 años cuando lo condenaron y jamás se conocieron, Robert de Bruce siempre fue el príncipe heredero de Escocia, etc.

Sin embargo la historia cumple y cumple bien. Te vende la historia de un gran patriota , como lo fue el verdadero William Wallace y las ansías que cada pueblo que ha sido reprimido tiene: la libertad y el amor.

Y eso mis amigos, es lo que un buen guión vende.

La Cinéfila.

Los tres huastecos

Amo el cine mexicano de la época de oro. Lo amo tanto que sobre el estoy escribiendo mi tesis.

Me encantan sus historias inocentes que también pueden ser crudas; sus visiones maniqueístas de la vida la simplifican enormemente. Los malos son charros de sombrero negro y silla de cantinas cuadradas y los buenos son Pedro Infante, Jorge Negrete o el Gallo Giro. Las mujeres siempre son buenas y virtuosas pero inteligentes e ingeniosas., excelentes amas de casa y graciosas. Los villanos siempre se arrepienten ante su madrecita santa y los casorios son presididos por un sacerdote más bueno que el pan y la máxima autoridad es Sara García.

Es más los duelos más canijos son de voz y siempre la ingrata se queda con su charro sin vergüenza pero de buen corazón en el fondo.

¡Ah, tan bellas historias!

Me gustan porque muestran a un mexicano luchón, honesto, amante de su Virgencita, buen hijo y que trabaja la tierra con las manos, excelente patriota y que además no es feo y tiene voz de tenor. Me gustan porque la estenografía es a campo abierto de un México hermoso y limpio que ya casi no existe, los claroscuros de la fotografía de Gabriel Figueroa, la dirección de Ismael Rodríguez, en fin todo eso que en el cine mexicano ya no hay.

Claro me dirán que ahora tenemos a Lubezki y a Iñarritu (si es que hay alguien que considere a este señor un cinematógrafo), pero ¿cuál fue el último ídolo de México?, ¿cuál la ultima película que podías ver con tu familia y aprender?

Es por ello que me gustaría hablar de una de las películas que más amo, tal vez porque la veia los domingos por la tarde con mi papá: Los tres huastecos.

La película va de los hermanos trillizos nacidos en La Huasteca, criados desde pequeños en pueblos distintos con sus respectivos padrinos, que se encuentran ya en edad adulta, cada uno con su destino muy diferente definido, Juan de Dios es cura en el Potosino, Víctor es comandante del destacamento de El Veracruzano y Lorenzo taúr empedernido, criado en el Tamaulipeco, es bronco y ateo, padre de una niña. La fuerza de la sangre hace que los tres hermanos compartan las mismas sensaciones y se ayuden mutuamente.



Es una trama muy sencilla, donde el amor en diferentes manifestaciones (por Dios, por los hijos o por Maritoña) hacen que los tres encuentren la felicidad. Sobra decir que las actuaciones son excelentes, de hecho es el primer caso de un papel triple hecho por el enorme Pedro Infante.

Nos deja maravillosas escenas como las confusiones por la identidad, Infante tocando el violín y la grandísima Tusita.



Me encanta porque me hace soñar con un México que existió y donde el amor lo podía todo.

La Cinéfila

El hombre que rie

No lo negaré. Me gustan las historias de amor imposible y si son góticas, mejor. Por ejemplo “El Fantasma de la ópera”, “Mary Shelly’s Frankenstein” y una película que es una de mis favoritas: “The man who laughs” (1928).



Es en realidad uno de los relatos de Victor Hugo que más me gusta. La historia va de un hombre, un noble inglés en 1960 que se burla del rey Jaime II , este para vengarse lo condena a muerte en la dama de hierro y a su pequeño hijo de dos años, Fermain, lo somete a una operación quirúrgica que le deja para siempre un rictus, una sonrisa para que se burle de su padre.



Después el desafortunado chiquillo es vendido a los gitanos quienes lo bautizan como Gwynplaine y ocho años más tarde es abandonado en el bosque durante una tormenta de nieve. Esta por morir cuando escucha el llanto de un bebe.

http://www.youtube.com/watch?v=jDNkiGbAN-s

En una cabaña desecha encuentra el cadáver de una mujer que sostiene a una bebita de meses que tiene la mirada nublada. Es ciega. A pesar de que no sabe como sobrevivir, Gwynplaine la rescata. A mitad de la siguiente escena encontramos a un montañés llamado Ursus (Oso en latín)acompañado de su fiel lobo Homo (Hombre en latín), que los encuentra y rescata. A la bebe la llama Dea (diosa en latín).

Ellos forman una familia muy especial que se gana la vida en ferias y haciendo trucos. La permanente mueca de Gwynplaine lo tortura pues ahora han pasado quince años y se ha enamorado de Dea quien corresponde a su cariño.

Un día en la corte inglesa, la duquesa Josiana se ha aburrido de la vida de la corte y es aconsejada por la reina Anna a buscar a Gwynplaine, pues es el cómico más famoso del reino. La noble va a buscarlo y de inmediato siente una extraña atracción sexual por el joven desfigurado. Es llamado a palacio donde es descubierto su linaje y es restaurada tanto su herencia como su lugar en la cámara de los comunes.



Ahora el problema es que la duquesa Josiana es la actual dueña de toda la herencia y para mantenerla, debe casarse con Gwynplaine. Esto hace dudar al pagliaci pues si una dama como la duquesa puede amarlo, legitimiza su amor por Dea. Mientras en la caravana, la siempre frágil Dea esta enferma de soledad extrañando a su amado; esta languideciendo.

En una escena terrible, nuestro protagonista toma su lugar en la cámara de los comunes y cuando se quiere dirigir a la asamblea, sus ridículas facciones hacen reír a todos los políticos. Es en este punto que Gwynplaine decide renunciar a su nombre y regresar con la única riqueza verdadera, su familia, y con la mujer que lo ama sin importar su grotesca apariencia.

Aquí termina el film, pero en la versión literaria el payaso y sus amigos deciden ir a América, Dea le confiesa su amor a Gwynplaine pero ya esta muy enferma y muere en sus brazos; el hombre que ríe se arroja al mar porque no puede continuar sin ella.



Llámenme psicópata pero las historias de amor imposible son las mejores. Y me es muy hermosa esta historia, es obvio el porqué; al haber nacido con una cicatriz de labio leporino (que alcanzo a cerrar en el último momento de gestación), me identifico con la desfiguración y la tristeza del protagonista. Su grotesca apariencia es para muchos una diversión y su fealdad le aleja de todos aquel los que son “normales”.

Sé lo que es luchar cada día para ser una chica normal y en el fondo no querer serlo. Es por eso que le doy a esta película (que para mi delirio huele a expresionismo alemán), 10 palomitaz de caramelo. (si con z, porque es zúper genial).

Los 25 datos más increíbles de las Películas de Sci fi para impresionar a los amigos (pareciendo un completo geek):

1. “Matropolis” (1927) de Fritz Lang fue la primera película en ser considerada patrimonio de la humanidad por la UNESCO.



2. Will Smith rechazó el papel de Neo de “The Matrix” (1999) para protagonizar “Las aventuras de Jim West” (1999). Hablado de decisiones estúpidas…

3. La mayoría de los fans de “Dark City” (1998) prefiere verla película sin el diálogo inicial y subirle el volumen hasta que aparece Kiefer Sutherland.

4. Para “El día que la Tierra se detuvo” (1951) se hicieron dos trajes del robot Gort, uno con el cierre por atrás para las tomas de frente y otro con el cierre detrás para las tomas de espalda. Aparte, el actor que personifica al robot alien, a pesar de medir casi 2 mts, era un debilucho y no podía cargar a la actriz principal, por lo que carga una muñeca parecida.

5. El sonido de la secuencia numérica de “The Matrix” (1999) es el sonido de la lluvia digitalizado.

6. El sonido asqueroso que hace Jaba the Hut de “Star Wars” (1977) es el sonido del queso derretido en una cazuela. El zumbido característico de las espadas láser es el de una rasuradora eléctrica en una cubeta de metal.



7. Para la versión original de “Solyaris” (1972), se filmaron escenas en Tokio, Japón para darle al público ruso la sensación de futurismo.

8. Para la primera entrega de “Robocop” se tenía planeado que la histria se desarrollara en un futuro como el de “Blade Runner”, pero la falta de presupuesto limitó a Verhoven, cuyo mayor gasto fue el traje del robo- policía.

9. “The man who laughs” (1928) está basada en una historia de Victor Hugo que es el antecedente de El guasón de Batman.



10. Para la escena del nacimiento del 1er. alien de “Alien” (1972), Ridley Scott no le dijo al cast como iba a ser la escena, para que las reacciones fueran lo más naturales posibles. Se nota cuando Sigourney Weaver casi salta del otro lado del set. También en el 1er tratamiento del guión, Ripley era hombre.

11. ¡La Academia se negó a darle el Oscar por efectos especiales a “Tron” porque fueron hechos por computadora y consideraban que sus técnicos habían hecho trampa!. Estupideces de ayer y hoy presenta…

12. El guión “ET el extraterrestre” (1982) es la historia de Jesucristo. Ya me parecía extraña la similitud que me daba con El Sagrado Corazón. Chale.

13. Para aumentar el aspecto paranoide de Brad Pitt para la película “12 monos”, (1995) bastó que Terry Gilliam le prohibiera fumar durante el rodaje.

14. El titulo original de “Brazil” (1985) era “1984 y 1/2” como un homenaje a Jean – Luc Goddard.

15. “La invasión de los usurpadores de cuerpos” (1956) es una alegoría a la era Mcarthista de la caza anticomunista en EUA.

16. El título más original del Sci Fi es mexicano: “La momia azteca contra el robot humano” (1957). Viva México.



17. El actor de “The Thing” (1933) juraba que el traje lo hacia verse como zanahoria y no fue al estreno por eso.

18. Tatooine de Star Wars (1977) esta basado en Túnez. El Jin de Qui Gon Jin significa demonio en nepalés.

19. Dustin Hoffman era la primera opción para encanar a Deckard en “Blade Runner” (1982), gracias a Dios apareció Harrison Ford. Y sí, era un replicant también.

20. Arthur C. Clarke escribio “2001: Odisea en el espacio” (1968) al mismo tiempo que Stanley Kubrick la filmaba y se pasaban datos. Sobre ella, Clarke dijo “Si entendiste por completo la historia, fallamos. Fue creada para levantar más preguntas que respuestas”.

21. El personaje de el Profeor Monnitoff (Noah Wyle) de “Donnie Darko” (2001) sale comiendo dulces de calabaza en varias escenas, porque Wyle decidió que su personaje sería diabético.

22. En “Children of men” (2006) cuando Theo entra al edificio parea salvar a Kee del tiroteo, se puede ver que Clive Owen trae tapones para los oídos.

23. Mary Shelly nunca pone el método con el que el Dr. Frankenstein da vida a su criatura en su novela “Frankenstein o el Prometeo moderno”, debido a que su personaje no quiere compartir su secreto. Lo del relámpago fue inventado para la película de Boris Karloff (1931)




24. La figura de domino de “V de venganza” (2005) fue armada por figuristas de domino profesionales con 22, 000 fichas tardando 200 horas.

25. El científico francés Claude Lacombe de “Encuentros cercanos del tercer tipo” (1977) es el inigualable François Truffat, y está basado en el experto en ovnis Jacques Valleé .

Mis directores favoritos

Un buen director se reconoce porque tiene un estilo propio, un leitmotiv, un leguaje particular. Por ejemplo, es fácil reconocer la películas de Tim Burton pues suelen tener una estética muy especial, oscura, un tanto macabra que ha estado en cada una de sus obras, hasta en “Big Fish”, (curiosamente la más anti burtoniana y la mejor).

Las de Spilberg son muy dinámicas con buen desarrollo, pero casi siempre fallidas en sus conclusiones; las de Kubrick son muy complejas y detallas y siempre largas; las de Cuarón siempre tienen algún wide shut y el filtro verde, etc.

Cada uno de los directores tiene algo en su obra que inevitablemente es parte de su interior. Y es que, cómo no expresar tu ser a través de algo tan sublime como lo es el cine.

Yo tengo gustos muy definidos; encuentro valor en todo tipo de cine, pero mis predilecciones son más bien eclécticas. Lo mismo gozo de la oscuridad de Burton, que del talento palomero de Spilberg. Pero esta vez quiero hablar de mis dos directores favoritos.

Siendo honesta, no son los más conocidos y aun se está formando su sello, es decir les falta un poco de experiencia. Vamos, no son el éxito en taquilla, pero encuentra que su obra es muy honesta, real, sentimental sin ser manipuladora, etc.


Son Aldo y Roberto. Ja! A que no se lo esperaban ¿verdad?. Ellos son mis compañeros de la escuela. He tenido el honor de trabajar para ellos como productora en un par de cortometrajes, pero me asombra la fuerza de su espíritu.

Su visión del cine es simplemente maravillosa, pues no la ven solo como un medo si no como la forma de arte que es. Mención aparte merece la que ya es mi guionista de cabecera, Charbeli, sus historias son lo más mágico que hay, pero de ella hablare más profundamente en un post aparte.



¿Qué puedo decir? Si son mis amigos y tal, pero eso no me impide ser objetiva. Tienen formas muy diferentes de ver un guión y de contar historias, pero cada uno tiene grandes valores.

Ha sido mi honor trabaja con ellos y puedo decir “lero, lero y son mis amigos.!” Jajaja, bromas a aparte me llenaré de orgullo al decir “I knew them when…” cuando ganen un Oscar.

Un honor, un honor…

The Monster Mash

Ahora si, como lo había prometido, quisiera platicar con ustedes una de mis pasiones: los monstruos de Universal Studios .

Yo tengo todos y cada uno de los modelos armables de los monstruos de la marca Aurora. Desde muy chica disfrute de las películas góticas de los años 30’s. Nótese que digo “góticas” en vez de terror, porque esas películas, cierto tienen seres horrendos , oscuros, tenebrosos, pero cuyas distorsiones se centran en sus almas y en más de una ocasión es el hombre común el que termina por ser el villano.

Vamos, la vieja historia: el hombre ataca lo que no entiende.

Esta serie de películas de horror empezó en 1925, en la belle epoque que hubo entre las dos Guerras, donde el charleston era la moda, y la gente era cínica y confiada en su prosperidad.

Los personajes que de aquí salieron son íconos pop y referencia para todo buen cinéfilo. Son personajes entrañables llenos de contrastes (yo me identifico con dos o tres de ellos). Son seres solitarios e incomprendidos por la sociedad, con una malignidad deliciosa, pues son “malos” , pero nunca han robado dinero del erario público , nunca han comprado toalla de $4000, no han desatado guerras ni limpiezas raciales… son malos, pero más buenos que muchos hombres que han existido.

Todos los monstruos de los que nos disfrazamos en Halloween tienen su origen en ellos, siempre hay una Momia, un Frankenstein, un Drácula…

En gran medida porque representan lo que nos gustaría ser, lo más oscuro de nosotros.

Aquí una lista de los monstruos:

1.- El Conde Drácula (Drácula de 1931): Bela Lugosi es el vampírico conde por antonomasia, la muestra de cómo occidente reciente los modos de Oriente, de cómo la sexualidad femenina era vista como virus en la época vitoriana. Es el que desciende por la escalera evolutiva, el amante eterno e inmoral al que nos gusta rendirnos. Mejor Momento: “I`m Drácula, I bid you welcome” o “Oh children of the night, what music they make!”

2.- La Criatura de Frankenstein de 1931: Boris Karloff es el más maravilloso actor, el uncanny, el único que pudo darle al Prometeo moderno toda su tristeza y su rabia, la incomprensión de un ser que lo único que anhela es compartir su existencia con otro ser. Es una metáfora desgarradora de lo que pasa cuando el hombre juega a ser Dios. Mejor Momento: El momento en que el Dr. Frankenstein grita “It’s alive, alive!!!!!!”

3.- Imhotep de The Mummy (1932): De nuevo Karloff nos da muestras de su talento y nos regala el amante atrapado en el tiempo desesperado por encontrar a la mujer por la cual se condenó: la princesa Ankesenamun que reencarnada. Al final de cuentas, su amor imposible lo vuelve de nuevo polvo y lo regresa al reino de Anubis. Mejor momento: Cuando el asistente ve cuando Imhotep despierta y no deja de reír hasta enloquecer.

4.-El fantasma Eric de The phantom of the opera (1925): El increíble e inigualable Lon Chaney nos da uno de los más melancólicos seres en el hombre desfigurado del alma y del rostro, al genio que se enamora de la debutante. Es el personaje que consagró al actor como Maquillista. Tan unido estaba a él que se dice que el fantasma de Chaney sigue paseándose por el set de la casa de opera que en 80 años no ha podido ser destruido por las intervenciones de Chaney. Mejor momento: La escena del desenmascaramiento, que causo desmayos en 1925.

5.- Gill Man de Creature from the black lagoon (1954): un eslabón perdido entre los peces y los primero vertebrados que caminaron en la tierra es descubierto por unos científicos en una laguna perdida en el amazonas. Me gusta esta criatura porque al final de cuentas como macho que es, se enamora de la cintífo mujer de la expedición y se la roba, pero a pesar de esto, no es el villano de la película, si no los hombres codiciosos que tratarán de capturarlo para explotarlo. Mejor Momento: La danza – cortejo- nado sincronizado entre el monstruo y la protagonista.

6.- El hombre lobo de The Wolfman (1941): una generación nueva retoma la tradición familiar. Lon Chaney Jr., rememora las glorias de su padre al ser uno de los monstruos más atormentados. Hombre de día, lobo de noche, esta condenado a atacar a los seres que ama sin poder hacer nada por evitarlo. Una alegoría hermosa de la dualidad del ser humano, la civilidad y la animiladad en uno mismo.


Hay muchos otros monstruos que son también fascinantes como Dr. Jekyll, El hombre invisible, la Novia de Frankenstein, etc., pero me parece que los listados arriba son los emblemáticos y porque no decirlo, mis favoritos.

¡Ah los monstruos de la Universal, que bellas películas hacen!

Las guaridas

Había prometido hablar de los Monstruos de la Universal, pero por cuestiones personales he decido hablar de las guaridas del celuloide, ya que para mi, el mismo cine representa una forma de escape de la realidad (aquellos que como yo estudian Comunicación, olvidemos por un momento las teorías).

Mis amigos y yo tenemos un lugar al que siempre vamos. No es ni místico, ni mágico, vamos, ni siquiera es original. Es un VIPS cualquiera, al que cariñosamente llamamos el “De las fuentes” porque enfrente hay algunas. Ahí, cuando alguien tiene un problema lo resuelve con un café. Que si tenemos una junta de trabajo, unas papas, que si es domingo por la noche, unos bisquetes. En fin es nuestro refugio, donde salimos de las broncas de casa y creamos una comunidad perfecta donde el mejor acompañamiento para la amistad es un café tipo americano y unos cigarrillos.

Todo esto me hizo pensar en los antros del celuloide, donde los protagonistas encuentran un oasis en medio de la locura. Para mi los mejores son:

A) El Bar de Rick de Casablanca (1942). En Marruecos hay un oasis de paz para los exiliados en medio de un mundo consumido por la 2ª. Guerra Mundial, donde Rick se reencuentra con Ilsa, un viejo amor.

B) Korova Milk bar de Naranja Mecánica (A clockwork orange, 1970): En este lugar en algún punto de Inglaterra los drogos pueden beber leche especial para escaparse de una sociedad injusta y paradójica con una terapia de ultra violencia.

C) Kit kat club de Adiós Berlín (Cabaret, 1972): De Nuevo, un lugar donde el desfreno y la libertad se celebran antes de perderse en la Alemania Nazi. Un refugio donde antes del terror, hubo diversión.

D) El Estudio 54 de Studio 54 (1998): Ningún antro define mejor la frase “Sexo, drogas y Rock n’ Roll” como este lugar, lo único prohibido era el aburrimiento. Lugar donde lo mejor de lo mejor de Hollywood, la mafia y demás submundos encontraban un refugio a la rutina.

E) El Mulin Rouge de Amor en Rojo (Mulin Rouge, 2001): cortesanas, poetas, pintores, etc. En fin bohemios todos llamaron hogar a este cabaret / burdel donde el amor era para todos quienes podían pagarlo. Los ideales innegables del hombre, la belleza, la verdad, la libertad pero sobre todo el amor, nunca encontraron mejores soldados que los hijos de la revolución bohemia y jamás hubo mejor cuartel para ellos que el Molino Rojo.

F) El bar Saint Elmo’s Fire de El primer año del resto de nuestras vidas (St. Elmo’s FIRE, 1985): este lugar es con el que más me identifico, pues es donde jóvenes de mi edad, se refugian después de la universidad y cuando empiezan a trabajar. Es el lugar que guarda sus anhelos y sus miedos, donde esperan a que sus vidas den comienzo. El brat pack soy yo, el brat pack son mis amigos, el brat pack son todos los que sean jóvenes de corazón.

Gracias a las guaridas celuloidales y a las de carne y hueso. Que sigan recibiendo a más prófugos del dolor.