miércoles, 7 de octubre de 2015

31 Días para Día de Muertos: Frankenstein

¡Los saludo esperando se encuentren muy bien!

Siguiendo con nuestros monstruos de la Universal, vayamos al que quizás sea el más famoso de todos: Frankenstein.

Este filme es mundialmente conocido pues es un auténtico clásico de la Diosa de Plata. La historia del Prometeo Moderno va de cómo un científico trata de crear vida a partir de cadáveres para vencer a la muerte.

La novela original de Mary Shelly (¡que fue escrita en UNA noche!) es bastante terrorífica, pero aborda más el terror existente en la capacidad humana para llegar a creerse dios en nombre de la ciencia y nuestra necesidad de enfrentarnos con los pecados del pasado, que siempre nos alcanzan. Pero la película de 1931 es más sobre la criatura en sí misma.


Bela Lugosi rechazó al papel de la Criatura porque el maquillaje cubriría su rostro, decisión que resultó agridulce para el cinema. Fue el mayor error de la carrera del húngaro, pero condujo al casting del mejor actor de terror del mundo como el monstruo, el inigualable Boris Karloff.  Gracias a Karloff, y al increíble maquillista Jack Pierce, tenemos lo que hoy es el arquetipo del monstruo; no podemos pensar en Frankesntein sin imaginarnos la cabeza cuadrada y las tuercas en el cuello.

Este filme nos regala momentos increíbles que formaron parte de la historia del cine y la cultura pop como el castillo en la colina, el asistente jorobado Igor, los campesinos enojados con antorchas, el científico loco y una de las mejores frases cinematográficas: “It’s alive, it’s alive!”.


Un dato curioso es que el monstruo no se llama Frankenstein. Viktor Frankenstein es el nombre del doctor que crea a la criatura que en todos los filmes es referido como tal, pero la confusión ha perdurado.

La primera película es bastante buena, pero es cuando se combina con sus dos secuelas que se vuelve una joyita. “La novia de Frankesntein” (1935) nos da la actuación de Elsa Lanchaster como la novia “pre fabricada” que no por eso ama a su futuro esposo y “El hijo de Frankestein” (1939) nos ayuda a entender que el verdadero maníaco y terror no es la Criatura, si no los científicos que lo crearon en un afán por ser Dios.


Las tres juntas son más que excelentes y hermosamente poéticas, y me atrevería decir, superiores a la novela original de Shelley.

Tenemos también la versión de 1994 de Kenneth Branagh  que le hace de Viktor Frankenstein y un delicioso Robert De Niro como la Criatura.

Esta versión es mucho más apegada a la novela y se separa bastante de la versión de Karloff. Aquí la Criatura se enseña a sí mismo a hablar y a leer para cobrar venganza de su monstruoso nacimiento ya que Viktor lo rechaza inmediatamente, para después ver como esta destruye todo lo que ama.

La película es excelente pues nos muestra la humanidad tanto del Doctor como la de la Bestia.  A Viktor lo mueve el muy humano deseo de mejorar la calidad de vida de sus seres queridos y a la Criatura el de saber quién es, pero cuando su creador le niega el conocimiento, se vuelca en su contra.

Las actuaciones son magníficas y le da una dimensión extra a una criatura iconográfica.  

Lamentablemente, en el pecado llevo la penitencia y al distanciarse tanto de la versión del ’31, la gente no se identificó con este Frankesntein y le fue bastante mediocre en la taquilla.

Lástima porque la recomiendo muchísimo.
Esta historia sirve como una parábola muy ad hoc a nuestro tiempo: “No juegues a ser Dios, porque el que busca, encuentra”.

Trivia: el libro describe de manera muy pobre la manera en que el doctor le da vida a la Criatura. El  método de la cama y el pararrayos es originario del filme de Karloff.


Les recomiendo también el film “Dioses y Monstruos” (Gods and monsters, 1998) que nos da un vistazo a la filmación de la película y a la vida personal de James Whale, director de la original de 1931. No es de terror, pero es excelente.

Por cierto, este Halloween tendremos una nueva versión que será protagonizada por Daniel Radcliff y James ereshermoso McAvoy.

Aquí un par de videos:




Ficha Técnica
Título: "Frankenstein"
Fecha: 1931
País: EUA
Director: James Whale
Actores: Boris Karloff, Colin Clive, Mae Clarke, John Boles.
Estudio: Universal Studios

Fecha: 1994
País: EUA
Director: Keneth Branagh
Actores: Robert De Niro, Kenneth Branagh, Tom Hulce, Helena Bonham Carter.
Estudio: American Zoetrope


Mañana: La Momia

lunes, 5 de octubre de 2015

31 días para Día de Muertos: Drácula


¡Saludos fantasmales a todos!

Siguiendo con nuestra listilla de películas de terror a través de la historia, entramos a una etapa que personalmente adoro: los Monstruos de la Universal.

Cuando era morra, solía ver estas películas con mi papá. Él se sentaba en la sala y ponía las entonces betamax en la cassettera y pasábamos las noches de los sábados viendo películas de “mostros” mientras comíamos palomitas y él me contaba detalles del filme.

Con el advenimiento del DVD, mi jefecito me regaló las películas que más me gustaban.  Aun hoy no puedo ver alguna imagen de estas criaturas sin pensar en papá, y a casi 11 años de su muerte, sigue siendo un vínculo especial que guardo con mi Cabecita Blanca.

En fin, los Estudios Universal se dieron cuenta de la importancia de las historias de miedo en las taquillas y empezaron a producir una serie de películas que hoy conocemos como “La era dorada del terror de la Universal”, pues nos dieron criaturas como la Momia, el Hombre Lobo, Frankenstein, el Hombre Invisible, el Monstruo de la Laguna Negra y el favorito de chicos y grandes – menos anémicos-, Drácula.


Como sabrán, la historia original se la debemos a Bram Stoker, quien supuestamente se basó en la leyenda rumana de Vlad Teppes “El Empalador”,  y ha sido adaptada al cine sopotocientas veces.

Me podría pasar un mes tratando de entender la filmografía y la fascinación que este chupasangre nos causa, por lo que me concentraré en las películas de Tod Browning y de Francis Ford Coppola (por ser las más conocidas).

La primera es la famosa versión de Bela Lugosi. Este filme cuenta con todo lo que una buena película de terror gótico debe tener: un castillo, niebla, telarañas, murciélagos, oscuridad y un villano que es bastante atractivo.

Pero lo mejor del largometraje es la actuación del húngaro Lugosi que nos regala momentos épicos del cinema y varias líneas de antología (“I bid you welcome”, “I never drink…wine”, “Listen to them, children of the night. What music they make!”). Sus expresiones son terroríficas y atrayentes, basta un close up a sus ojos pispiretos para que sientas como que te traspasan más allá del cuerpo y el alma.


Su acento extranjero ayudó a vender la idea de que lo exótico va de la mano con lo desconocido y sobrenatural, y formarían escuela para todos los Dráculas venideros.

Esta película afortunadamente cuenta con muchos factores a parte de Lugosi que la hacen legendaria. Es la primera cinta de terror hablada, pero como en ese entonces no tenía el concepto de soundtrack, hay muchas escenas donde no hay sonido alguno (lo que le da un toque “WTF?!”) delicioso. También las actuaciones de Dwight Fry como Renfield (su risita me causa escalofríos) y de Edward Van Sloan como Van Helsing son de antología.  Algo que sé no fue tan planeado pero funciona increíble, es el hecho de que la partitura que acompaña al film es la de “El Lago de los Cisnes” de Tchaikovsky, lo que le da un ambiente romántico y extraño a la vez.

Esta versión tiene su copia en español que fue filmada de noche en los mismos estudios por actores mexicanos como Carlos Villarias, Eduardo Arozamena y Lupita Tovar, y que muchos consideran incluso superior a la versión estadounidense (su servilleta incluida).

Esta película de Tod Browning es responsable de implantar en nuestra cultura la figura clásica del vampiro y la definición de Drácula gracias a Lugosi, quien lamentablemente, ya jamás se pudo despegar del personaje, siendo incluso enterrado con su capa.

Es por mucho, la mejor de las películas del Conde.

La versión de 1992 es para mí, la segunda mejor. No por los efectos o los valores que 60 años de avance tecnológico le pueden dar a la producción, sino por la reinterpretación de la historia del vampiro que la da una motivación más profunda para atacar: el amor.


La historia de una pasión a través de los tiempos que es a la vez causa y redención de Drácula me parece fascinante ( ¡y Gary Oldman está para morirse aquí! *nomnomnom*).

La dirección de arte, la fotografía y la producción son todas increíbles. Las actuaciones, sin embargo, son bastante dispares. Tenemos a un excelso Oldman como Drácula quien sostiene un duelo con otro actorazo, Anthony Hopkins, como Van Helsing. En la otra cara de la moneda, tenemos la actuación aguada y simplona de Keanu Reeves como el “héroe” Jhonas Harker. 

Jamás tuvo oportunidad contra el talento de Gary. Woah.

En fin, Drácula es verdaderamente inmortal. Más de un siglo de que fue escrita la novela original y las adaptaciones cinematográficas siguen, y siguen, y siguen. Unas más afortunadas que otras, ciertamente. Ya solo falta que lo pongan en el espacio… hey, esperen, ¡si eso ya lo hizo el mega bodrio de “Drácula 3000”!

El Conde trasilvano nos gusta porque nos enseña la bestia sensual que todos traemos dentro y quisiéramos dejar salir. Esa necesidad de seducir con una mirada y dominar al que nos atrae con solo desearlo para poder hincarle el diente y vivir eternamente bajo el cobijo de lo prohibido.

Y eso es chabocho.


Trivia: cuando filmaron la versión de 1931, Lugosi no sabía hablar inglés, así que se aprendió su papel fonéticamente (como sonaba) en vez de saber que decía realmente, de ahí su acento y cadencia tan extraños.

Les dejo un par de videines:




Fichas Técnicas
Título: ‘Dracula
Fecha: 1931
País: EUA
Director: Tod Browning
Actores: Bela Lugosi,
Estudio: Universal Pictures

Título: ‘Drácula
Fecha: 1931
País: EUA / México
Director: George Melford
Actores: Carlos Villarias, Carmen Guerrero, Lupita Tovar, Eduardo Arozamena.
Estudio: Universal Pictures

Título: ‘Bram Stoker’s Dracula
Fecha: 1992
País: EUA
Director: Francis Ford Coppola
Actores: Gary Oldman, Anthony Hopkins, Winona Ryder, Keanu Reeves.
Estudio: American Zoetrope.



Mañana: El Prometeo Moderno, Frankenstein.

31 días para Día de Muertos: Lon Chaney Sr.

¡Hola a todos!

Seguimos por nuestro paseo por el  género de terror del cine. Ya vimos que en los primeros años los alemanes se apoyaban en lo sobrenatural para ponernos los pelos de punta. Ahora veremos cómo lo hacían los estadounidenses.

El cine de terror tiene un padre maravilloso: el actor Lon Chaney Sr.


Este hombre es conocido como el “Hombre de los mil rostros” y fue la estrella del cine mudo de terror del naciente Hollywood, debido a su excepcional habilidad para interpretar personajes deformes, solitarios y monstruosos. No solo por su actuación, también por su maestría con el maquillaje.

Hijo de padres sordomudos, Chaney aprendió desde muy pequeño a comunicarse visualmente, con la pantomima y el lenguaje corporal. Era verdaderamente un actor hecho para el cine mudo.

A él le debemos la que a mi parecer es la mejor versión de “El fantasma de la Ópera” de Gaston Leroux, pues sin palabras (y más que eso, sin canciones) nos enseña el alma torturada de un hombre desfigurado que solo quiere amar pero no puede, pues básicamente es un cadáver con vida.

La película tiene una escena fabulosa a color (¡pintada a mano con esténciles, goeeiii!) del Fantasma disfrazado de La Muerte Roja, pero lo que verdaderamente se lleva las palmas es el maquillaje del protagonista, obra del propio Chaney. Basta con contar que la escena donde Christine lo desenmascara causó desmayos en el lejano año 1925.


Al ver a Chaney sientes compasión y miedo por el demente desfigurado. Sufres por el Fantasma, pero aun así te causa terror porque sabes que está loco. 
Se requiere mucho talento para transportar tan disímiles características a través del celuloide.

Otros de sus grandes papeles son el “Jorobado de Notre Dame” (1923) - donde no solo hace gala de sus habilidades con el maquillaje, también muestra grandes dotes acrobáticas-, y la legendaria “London after midnight” (1927), donde encarna a un ‘vampiro’ que atrapa a un grupo de comensales a la hora de la cena con la ayuda de su hija. ¡Esta última es el Santo Grial del cine de terror, les digo, pues no quedan copias conocidas del carrete original! (la última se quemó por ahí de los 60s).

Chaney iba a ser “Drácula” pero falleció de cáncer de garganta (elemento “WTF?!”), antes de participar en la primera película de terror hablada.


Su gran legado es el haber sido el rostro de tantos monstruos y pesadillas  así como ser el padre biológico de Lon Chaney Jr., el Hombre Lobo original. Casi nada.

Un pedazo de trivia: dicen que Chaney se aparece en los Estudios Universal  donde solía actuar y maquillarse.

Aquí un poco de su trabajo:


Ficha Técnica
Nombre Completo: Leonidas Frank Chaney
Nacimiento: 1 de abril de 1883
Muerte: 26 de agosto de 1930
País: EUA
Hijos: Lon Chaney Jr.
Películas básicas: “The Phantom of the Opera” (1925), “The Hunchback of Notre Dame” (1923)  y “London after midnight” (1927).


Mañana: sacamos colmillos con Drácula : [

31 días para Día de Muertos: El gabinete del Doctor Caligari

¡Hola hijos del bongo celuloidal!

Pues lo prometido es deuda y ha llegado el momento de seguir  con “31 días para Día de Muertos” donde tendremos una entrada diaria dedicada a una película de terror.

Este género es parte de la experiencia humana; el que nos hace latir el corazón más rápido, nos da ese hormigueo en la espalda y nos hace sentir miedo a la oscuridad. Ya sean fobias vestigio de nuestra época primitiva (a los reptiles) o amenazas del espacio exterior, el terror nos da el shot de adrenalina que nos hace sentir vivos.

Seguimos nuestro viaje a través del terror con una película que ya he analizado a fondo (aquí) pero que merece su participación en este listado: “El gabinete del Doctor Caligari” (1920). 


Se trata de una joyita del expresionismo alemán, escuela que se destacó por ser extraña, fantasiosa y abstracta,  a la vez que crítica de una sociedad que estaba a punto de transformar al planeta.

La película va de un zombie llamado Cesare bajo las órdenes del malvado Doctor Caligari que le ordena matar a sus enemigos. Este es el primer film del género con un final vuelta de tuerca y que te deja con la esencia “WTF?!” porque al final te quedas con más preguntas que respuestas e inseguro del límite entre la realidad y los sueños.

Es uno de los primeros filmes en mostrar lo que después serían arquetipos del género: el villano que controla al monstruo, la bestia que se enamora de la bella y el héroe que al final no lo es tanto.


La atmósfera desquiciada de la escenografía, la estética  y las actuaciones  te ponen los pelos de punta. Y lo hacen sin un solo diálogo hablado. Eso es lo que yo llamo talento.

Este filme es importante para el género de horror pero también para el cine en general porque sentó las bases para las películas surrealistas pues ver “El gabinete del Doctor Caligari” es como perderse en un sueño que se transforma lentamente en una pesadilla.


El gran logro de este film es mezclar lo real y lo ficticio, pues cuando te das cuenta de lo que en realidad está pasando, ya es demasiado tarde.

Aquí pueden verla:


Ficha Técnica
Título: ‘Das cabinet des Caligari
Año: 1920
Director: Robert Weine
País: Alemania
Actores: Werner Krauss, Conrad Veit, Friedich Feher.
Estudio: Decla – Bioscop AG


Mañana: El hombre de las mil caras, Lon Chaney.

jueves, 1 de octubre de 2015

31 días para Día de Muertos: Nosferatu

¡Hola de nuevo, cinéfilos!

Hace 6 años me aventé la estúpidamente divertida tarea de hacer una reseña cada día durante el mes de octubre de las películas de terror que más me han gustado, de camino al día de muertos. 

Decidí revisar el material y ¡vaya! Las cositas que una puede notar con 2,190 días de diferencia para alimentar la perspectiva.

Mis gustos han cambiado un poco (sobre todo con las pelis de los dosmiles) y ya escribo menos pior, así que decidí revistar este ejercicio que tanto me gustó en su momento. Voy a actualizar y darle una buena editada (aunque respetaré mi estilo malaleche) a mis “31 días para Día de Muertos” y agregar las nuevas películas que se hayan agregado a la lista. 

Empezando con esta lista infernal (*inserte risa macabra*) tenemos los primeros años del cine de terror y una de las primeras película sobre vampiros del mundo mundial: "Nosferatu" (1922).



Esta cinta perteneciente a la corriente del expresionismo alemán de hecho se trata de la clásica historia de Drácula. El director F.W. Murnau quería hacer la película de vampiros más realista del mundo y trató de comprar los derechos de la novela de Bram Stoker, pero la viuda del escritor se negó, por lo que el director solucionó su dilema cambiando el nombre de los personajes. Así el conde Drácula paso a ser el conde Orlok.

El filme es una de las primeras obras en retratar a uno de los monstruos más atrayentes del cinema: el vampiro. Y es que digo, inmortal, seductor,  con poderes sobre naturales ¿por qué no habría de llamarnos la atención?

En fin volviendo a lo que nos truje, tenemos al conde Orlok (aunque la mayoría de los carretes americanos lo llamaban Drácula) haciendo maldades y chupándose a las incautas víctimas.

De cualquier forma, esta es una de las películas más "WTF?!” que hay.  Los movimientos de cámara, los juegos de sombras y la actuación de Max Shreck como el vampiro orejón, te dejan una sensación de hormigueo incómodo en la espalda.


*Schreck esperando entre tomas*

Lo padre de este largometraje es que consigue asustarte sin recurrir a sonidos fuertes o monstruos mega-maquillados; al contrario, es la falta de esos elementos “obvios” lo que nos espanta más. Creo que el hecho de que se trate de un filme silente en blanco y negro, agrega mucho más a la sensación malévola de la escenografía. Si no me creen, chequen el remake del 79’ y verán que le falta mucho para ser como la primera, y eso que ésta ya contaba con sonido y deliciosa sangre en technicolor.

Toda la película te hace sentir como si estuvieras dentro de una pesadilla. Tal vez se deba a que Murnau quiso filmar en exteriores, castillos y casonas auténticas de la zona donde se desarrolla la novela,  pero el film baila entre lo irreal y lo hiperrealista, y eso espanta cañón.

Tiene muchas escenas que son icónicas para la historia del cine: el conde asomándose entre las maderas derruidas de su cofre, la sombra subiendo las escaleras (que fue homenajeada en el “Drácula” de Coppola de 1992), el vampiro frunciendo las manos cual si fuera una rata. ¡Básicas!



Les recomiendo muchísimo la película “La sombra del vampiro”(“Shadowof the vampire”, 2002). Narra cómo fue la filmación de “Nosferatu”, jugando con la leyenda urbana de que Murnau en su afán de hacer una película realista, contrató a un vampiro real para hacer el papel de Orlok. Cuenta con excelentes actuaciones de John Malkovich y Willem Dafoe.

Me despido dejándo un pedacito de trivia sobre el filme. ¿Sabían que el actor que encarnó al Vampiro se apellidaba Schreck? Y ¿saben qué significa esa palabra en alemán? MONSTRUO.

Ficha Técnica
Título: Nosferatu, eine Symphonie des Grauens
Año: 1922
País: Alemania
Director: F.W. Murnau
Actores: Max Schreck, Gustav Von Wangengheim, Greta Schröder.
Estudio: Jofa – Atelier berlin – Johannisthal.

Pueden ver el filme "Nosferatu"  aquí y el trailer de "La sombra del Vampiro":


Mañana: El Gabinete del Doctor Caligari. 

XOXO, la Cinéfila 

martes, 8 de septiembre de 2015

Respuesta a Dear Fat People



Soy gorda.

No es secreto para nadie que tengo sobrepeso y que lo he tenido desde que era niña. No voy a decir que es una enfermedad o condición. Es el resultado de las malas decisiones que he tomado en cuanto a mi alimentación desde pequeña. ¿OK? soy gorda.

Como representante de la comunidad obesa puedo decir con conocimiento de causa que no hay nada más falso que el mito del gordo feliz. No existe gordo que se vea al espejo y esté satisfecho con lo que ve. Ninguna persona con sobrepeso va por la vida pensando “¡Bien, ya llegué a los 100 kg, otros cinco más y voy a estar poca madre!”. Es simple: no hay gordo que no quisiera ser delgado.

Sin embargo es posible vivir con sobrepeso y tener autoestima. ¡Lo sé! ¡El shock!

Cierto, es INCREÍBLEMENTE difícil porque la sociedad tiene una gordofobia muy cabrona (sí, por muy estúpido que suene el término).  Ignoremos los MUY REALES problemas de salud que conlleva ser gordo por un minuto. El mundo dice una y otra vez que si tienes kilos extra eres un ciudadano de segunda categoría al que se le debe tener asco.

¿A qué viene esto?  Hace unos días una comediantucha de YouTube publicó un video haciendo comentarios hirientes contra las personas con sobrepeso e ¡internet perdió la cabeza!


Acusaciones de body shaming y bullying no se han hecho esperar, mientras otros defienden el derecho de esta señorita a la libre expresión.

Honestamente a mí, como ya establecimos una gordita, el video se me hace de lo más intrascendente. No porque crea que está bien lo que dijo, sino porque honestamente he escuchado cosas peores.

Toda mi vida he visto como personas que me tratan de una manera diferente porque soy obesa. Desde el tipo que dijo que necesitaba ir a terapia para poder apreciar mi “belleza” hasta los compañeros de trabajo que se muestran amables solo cuando empiezas a perder peso. La gente te trata diferente según tu volumen.

He presenciado la mirada de miedo de ciertos individuos cuando hablan conmigo temiendo que me puedan gustar (no corazón, no te voy a comer. Tendrías tanta suerte…) y cómo la gente cambia su trato para conmigo cuando me pongo la faja (todos los gordos tenemos una).

No, lo que Nicole Arbour puso en su video no me ofende. Sin embargo me preocupa. Yo llevo casi 30 años luchando para tener una buena imagen de mi misma y apenas (con muuucha dificultad) lo estoy logrando. Así que el video de esta vlogger no me afecta.

Pero pienso en la March de 13 años. En las niñas que como yo siempre han tenido una relación muy conflictiva con el espejo. En las que a diario luchan (contra la familia, los hombres, las compañeras, ellas mismas) para tener un mínimo de amor propio. Imagino a esas chicas viendo este video. Y entonces, con perdón de la expresión, sí me encabrono.

¿Cuántas niñas no verán este video y lo usarán para hacerse daño? ¿Para justificar el desorden alimenticio que empiezan a desarrollar? ¿Para darle validez a las estupideces que sus compañeras de escuela dicen?

Porque comentarios “bien intencionados” como el de esta señorita me mandaron a esconderme en el baño de la prepa con ataques de pánico cientos de veces. Arbour olvidó mencionar que hay diferentes tipos de cuerpos y que hay muchos gorditos (como su servidora) que están luchando por estar sanos y que es un camino que no toma 5 minutos.

¿De verdad, señorita Arbour, cree que nos gusta que nos tengan “asquito”? ¿Qué nos vean e inmediatamente asuman que somos flojos? ¿Que se rían de nosotros en cuanto tratamos de ir al gimnasio y hacer un cambio en nuestra vida? ¿Qué seamos invisibles? Porque esa es la verdadera tragedia de la obesidad: cuanto más grande eres, más invisible te vuelves.

Pierdes el derecho a ser feliz contigo mismo.

El body shaming, ya sea contra los flacos o panzones, puede ser letal. Nos obliga A TODOS a tratar de pertenecer a un ideal de belleza que es simplemente inalcanzable.

Lo que Arbour hizo no fue más que bullying, abuso que puede y ha resultado en jóvenes quitándose la vida. Si quería dar un buen mensaje (que creo que era el punto) el tono se le escapó de las manos impresionantemente. Se vale dar consejos, pero no como ella lo hizo.


Ridiculizar a las personas para que sean sanas ¡wow! Me imagino lo que esta chica tiene reservado para las alguien con un mal cardiaco…

Una comediante que simplifica hábitos, genética, PSICOLOGÍA, ejercicio y toda variable que produce sobrepeso por un chiste es una mala comediante. 

Este video ignora el hecho de que no todos somos gordos solo por comer de más y que si fuera tan fácil no ser obeso como ella se burla ¡TODOS NOS HUBIÉRAMOS DETENIDO HACE AÑOS

Burlarse del cuerpo de otro jamás será positivo ni le ayudará a estar sano. Solo destruye el espíritu de los más frágiles y deja secuelas que, créanme, duran para toda la vida.

Si un gordito me lee, solo quiero decirle que vale mucho y merece luchar por estar sano y que pueden ser disfrutados COMO SERES HUMANOS, con o sin kilos de más. 


sábado, 5 de julio de 2014

Porqué me hizo llorar el primer episodio de Sailor Moon






Tal vez resulte sorpresivo para muchos de ustedes, pero hace 15 años yo era una nerd. De acuerdo, aún lo soy, pero a los 13 años era la típica chabacana que usaba coleta a media nuca, traía braquets y cargaba a todos lados mis dibujos y mangas de Sailor Moon.


Esto viene a colación porque ayer se estrenó el primer episodio de la nueva serie, ¡20 años después de la original! (*me duelen las reumas*).


Para quienes no lo sepan, Sailor Moon iba de las aventuras de Usagi Tsukino una chava llorona y torpe que por las noches se transformaba en la guerrera Sailor Moon que luchaba por el amor y la justicia.  Una historia repetida millones de veces en el anime.





Sin embargo, la obra de la mangaka Naoko Takeuchi tuvo un profundo impacto en mí por eso ver el nuevo episodio me revolvió el cerebro.


Recordé lo mucho que disfruté el manga a pesar de que algunas de mis compañeras del colegio se burlaban porque era una caricatura. ¡Obvio no sabían que el anime puede ser crudo y cero infantil! (*vean Evangelion o Attack on Titan si no me creen*).


Gracias a esa serie encontré a mi hermana y mejor amiga porque las dos intercambiábamos tarjetas de Sailor Moon en nuestros casilleros; hice a amigos por todos lados del mundo porque me carteaba con otros fans;  me enseñó que las mujeres somos guerreras.





Mis nociones ridículas del amor se vieron trastocadas por la marinerita porque no me basta la idea de un príncipe azul sino alguien que me ayude a ser mejor y que sea igual de luchador como yo.


Algunas cosas de esta nueva entrega no me encantaron, como la secuencia de transformación que disque es 3D pero se ve como videojuego piraña y ciertas poses como esta mandanga. ¡¿Quién jijos de la rejijurría se mueve así?!





Sí, con todo y que el estilo de esta nueva versión se parece más al manga y la historia no será tan infantil,  creo que será una gran serie. Pero siempre tendré un lugar especial en mi corazón para la serie que  me permitía escapar de mi realidad y soñar en que yo podía ser algo más.










¡Por el poder del prisma lunar, transformación!

jueves, 26 de junio de 2014

President Snow's Panem Address - "Together as One" (4K)

viernes, 30 de mayo de 2014

The Book of Life Official Trailer (2014) Zoe Saldana, Channing Tatum HD





ALL YOU CAN EAT CHURRROS!!!!

lunes, 26 de mayo de 2014

X Men Days of Future Past o la nueva peli favorita de La Cinefila

X Men Days of Future Past se estrenó este fin de semana y antes de continuar, quiero advertir que este review está lleno de spoilers. El que avisa no traiciona.




Vi la peli el viernes pasado con mis amigos, luego de tener una pelea épica con el taxista más imbécil de la ciudad de México, en la función de 3d.


Algunos de ustedes saben que amo la franquicia, no sólo porque tiene buenas secuencias de acción si no porque está basada en mis cómics favoritos de Marvel, y que por lo mismo llevaba esperando esta película desde que salió X Men First Class.


Aquí van las partes  que más me llamaron la atención:


Un Wolverine más maduro: por primera vez el Bub no puede resolver todo con sus garras y tiene que ser la voz de la razón. Gran desarrollo para el personaje.




El humor: pese a que DOFP es la más oscura de la saga, también tiene mucho humor, sobre todo con el shock cultural de los años 70.


El gran ‘Fuck you’ a Last Stand: este filme efectivamente borra la gringadera final de la tercera parte de la trilogía original. Cíclope está de regreso, beeches.


YOU STAY IN THE FUCKING CORNER WHERE YOU BELONG!!!


Mutants, mutants everyhere!: Lo único bueno de Last Stand es que vemos una batalla con muchos mutantes. En la entrega de 2014, Bryan Singer nos trae mutantes desconocidos para el público en general pero fenomenales. Ver a IceMan convertirse en hielo, a Bishop pateando traseros, Beast siendo el amigo leal hasta las últimas,  Blink con su increíble poder (Now you are thinking in portals) y la propia Shadowcat siendo la voz madura del grupo, ¡ufff!



Mystique: ¡Jolichet!  Jennifer Lawrence logra llevar a la revolucionaria al siguiente nivel y su acrobacias son tan perfectas como deben de ser. Un lindo detalle, Mystique llora cuando ve la foto de Azazel en el laboratorio de Trask. Azazel es el padre de Nightcrawler, hijo de  Mystique.




Joven!MagnetoMichael Fassbender lleva a el personaje de Magneto al siguiente nivel de villanía. No es que sea malo per se, pero ahora es tan pragmático que hasta la propia Mystique lo abandona. Entiendes porqué Magneto está enojado con el mundo  y es un antagonista simpatético. Y el Fassbender tiene la proporción hombros – cintura de un dorito #nomnomnom.




Joven!Porfessor X: Para mí, esta película se la llevo de calle James McAvoy. Su interpretación de este Charles Xavier tan perdido fue maravillosa. Este es el telepata más poderoso del mundo, que puede escuchar lo peor de la humanidad – mutantes, y en esta película simplemente ya no lo resiste. Su amor por su hermana adoptiva es el verdadero arco argumental de la historia y es ese amor lo que lo lleva a ser de nuevo el Profesor X.  Lo ame, dénle un Oscar y dénmelo a mi.



¡Cherik!: Las escenas entre Xavier y Magneto son perfectas y llenas del drama de dos amigos que se han distanciado, que se reprochan todo pero aún se aman. No por nada el cómic es famoso por dar hints que Charles y Erik en realidad fueron pareja y que son el amor de la vida del otro. ¡Awesome!






Quicksilver: La escena de la cocina ya es icónica y el pequeño shoutout de que es hijo de Magneto es maravilloso. El Quicksilver de Avengers: Age of Ultron tiene unos zapatos muy grandes que llenar.




 En Saba nur: La escena post créditos nos da una probadita de quien para mí, es el verdadero enemigo de los X Men.

Al final esta peli establece ya claramente el amoroidio entre Charles y Erik y  los deja en la misma posición moral. Al final de First Class, Xavier pierde lo que más le importa: su hermana y su mejor amigo; en DOFP Magneto es el que se queda solo al perder lo que más le importa: seguidores de su causa.


 Lo que significa que quedaron tablas y tendrán que unir fuerzas para contener a Apocalipsis (¿Onslaught?)





En fin, amé esta pelí y sólo espero que cada vez más filmes de cómics tengan esta calidad. Days of Future Past cumple porque está llena de emoción.



Mutant and proud!